viernes, 29 de noviembre de 2013

Don Hong-Oai [Fotografía]

Don Hong-Oai
单雄威


Don Hong-Oai nació en la ciudad de Guangzhou, en la provincia de Guangdong, China, en 1929, pero pasó la mayor parte de su vida en Saigón, Vietnam. Allí, de joven, fue aprendiz en un estudio de fotografía. 
Permaneció en Vietnam durante la guerra, siendo uno de los "boat people" (*) que huyó a California en 1979. Vivió en el Barrio Chino de San Francisco donde tenía un pequeño cuarto oscuro en el que creaba sus fotografías. Mientras residió en Estados Unidos, regresaba a China cada pocos años para hacer nuevos negativos. Recién en los últimos años de su vida su obra fue descubierta por el gran público, y estuvo muy ocupado haciendo impresiones para coleccionistas de Estados Unidos y otros países. Murió en 2004.

(*) "Boat people (Gente de los botes)" es el término con el que se conoce generalmente a los refugiados de la Guerra de Vietnam que abandonaron el país en los años '70 tras la caída de Saigón. Normalmente utilizaban para huir botes hechos de una manera muy rudimentaria.

"Pine Peak, Montaña Amarilla / Pine Peak, Yellow Mountain", 1989

"Flotando en primavera / Floating In Spring", 1990

"En espera / In wait", Guilin, 1999

Las fotografías de Don Hong-Oai presentan un estilo único, considerado como pictorialismo asiático. Éste método mediante el cual adaptó el arte occidental para propuestas orientales, se originó probablemten en el Hong Kong de los años '40. Uno de sus más reconocidos cultores fue el gran maestro Long Chin-San (que murió en 1990 a la edad de 104 años) con quien Don Hong-Oai estudió. Con la mente puesta en la delicada belleza y motivos tradicionales de la pintura china (aves, barcas, montañas, etc.), los fotógrafos de ésta escuela utilizaban más de un negativo para crear hermosas imágenes, a veces empleando alegorías visuales. El realismo no era su meta.


"Jugando con aros / Playing with Hoops", Vietnam, 1976

"Primavera en el Río Li / Spring on the River Li", Guilin, China, 1984

Aspectos centrales en el trabajo de Don y en la técnica que aprendió de Long Chin-San basada en la tradición clásica, fueron los seis principios de la pintura paisajista establecidos en el s.VI por Xie He (también conocido como Hsieh Ho). El primero y más importante de éstos principios es el de resonancia espiritual, la habilidad del artista para sentir la naturaleza auténtica de lo que está pintando... la humanidad del hombre, la arboreidad del árbol, la acuosidad del agua. Éste es uno de los seis principios que no puede ser enseñado; los otros cinco tienen que ver con la técnica y abordaje: el método adecuado del uso del pincel (u otro medio) para alcanzar el efecto deseado, fidelidad en la representación de la naturaleza del tema escogido, cuidado en la aplicación de los tonos y capas, cuidado al situar los elementos compositivos y el adecuado respeto a las experiencias de los antiguos maestros al retomar los temas.

"Lago artificial / Man-Made Lake", Guandong, 1986

Don Hong-Oai fue uno de los últimos fotógrafos en trabajar de ésta manera. También es probablemente el mejor. Fue reconocido por Kodak, Ilford y Fotokina en la Alemania occidental, y fue miembro de la Federación Internacional de Artes Fotográficas en Suiza, y la Sociedad Fotográfica Chinatown.

Textos traducidos de aquí y aquí.

"Amanecer en el Lago Occidental / Dawn on West Lake", Hangzhou, 1990

"Esperando / Waiting", Guilin, 1984

"Tres amigos / Three friends", Beijing, 1989

Don Hong-Oai was born in the city of Guangzhou in the Guangdong Province of China in 1929, but spent most of his life in Saigon, Vietnam. As a young boy in Saigon he was apprenticed to a photography studio. He stayed in Vietnam through the war, but fled by boat (*) to California in 1979. He lived in San Francisco’s Chinatown where he had a small darkroom to create his photographs. While living the US he returned to China every few years to make new negatives. Only in the last few years of his life was his work discovered by a wider public, and he was kept very busy making prints for collectors across the US and elsewhere. Don died in June 2004.

(*) Vietnamese boat people is a term that usually referred to refugees from the Vietnam War during the late 1970s, who fled Vietnam in large numbers following the Fall of Saigon. Typically, they used boats that were old and crudely made.

"La primavera ilumina el bote de pesca / Spring Lights the Fishing Boat", 1995

"Solitario bote de madera / Solitary wooden boat", Hunan, 1991

"Sendero descendente / Hurrying Down Path", Vietnam, 1974

"Melodía de la mañana / Morning Melody", Hunan, 1990s

The photographs of Don Hong-Oai are made in a unique style of photography, which can be considered Asian pictorialism. This method of adapting a Western art for Eastern purposes probably originated in the 1940s in Hong Kong. One of its best-known practitioners was the great master Long Chin-San (who died in the 1990s at the age of 104) with whom Don Hong-Oai studied. With the delicate beauty and traditional motifs of Chinese painting (birds, boats, mountains, etc.) in mind, photographers of this school used more than one negative to create a beautiful picture, often using visual allegories. Realism was not a goal.

"De regreso al crepúsculo / Returning at dusk", Vietnam

Izq./ Left: "Secándose al sol / Dry in the Sun", 1970
Der./ Right: "Secando la ropa / Drying Cloth", Vietnam, 1970

"A visitar a su madre / To visit her mother", Guilin, 1986

Don Hong-Oai was one of the last photographers to work in this manner. He is also arguably the best. He was honored by Kodak, Ilford and at Fotokina in West Germany and was a member of the International Federation of Photographic Art in Switzerland and the Chinatown Photographic Society.

"Gibones jugando, Montaña Tianzi / Gibbons at Play, Tianzi Mountain", 1986

"Niebla invernal / Winter Fog", Vietnam, 1974

Central to Don’s new work…and central to the technique taught to him by Long Chin-San, which was based the classical tradition…were the six principles of landscape painting first laid out in the 6th century by Xie He (also known as Hsieh Ho). The first and most important principle is that of spiritual resonance, the ability of the artist to feel the true nature of what is being painted…the humanness of humans, the treeness of trees, the waterness of water. This is the single aspect of the six principles that cannot be taught; the other five deal with technique and approach: the correct method of using the brush (or other medium) to achieve the desired effect, fidelity in the depiction of the nature of the subject matter, care in the application of tone and layer, care in placing the compositional elements, and proper respect to the experiences of past masters through reprising themes.

"Tormenta de arena / Sandstorm", Vietnam, 1969

Texts taken from here and here.

"La primavera cubre el río / Spring Covers the River", Vietnam, 1971

jueves, 28 de noviembre de 2013

Naoto Hattori [Pintura]

Naoto Hattori


Naoto Hattori nació en 1975 en Yokohama, Japón. Estudió diseño gráfico en Tokyo antes de trasladarse a New York a estudiar en la Escuela de Artes Visuales. En el año 2000 recibió su Licenciatura en Ilustración. 
Ha sido premiado por la Sociedad de Ilustradores, El New York Directors Club, Communication Arts y ha ganado numerosos reconocimientos en varias competiciones. Su trabajo ha sido publicado por una gran cantidad de revistas. 

"Anumodana", acrílico sobre panel / acrylic on board, 13" x 16,5", 2008

"Anumodana", detalles / details

"Recolección / Recollection", 05, 4,1" x 5,8" y 07, 4" x 5,8", acrílico sobre panel / acrylic on board, 2012

Sobre su trabajo dice: "Mi visión es como un sueño, ya sea un dulce sueño, una pesadilla o sólo un sueño irreal. Intento ver qué es lo que realmente sucede en mi mente y ésta práctica incrementa mi conciencia de la creatividad en las corrientes de pensamiento subyacente. Intento no etiquetar o pensar acerca de lo que se supone que es, simplemente tomarlo tal como es y pintar lo que veo en mi mente sin compromisos. Así es como creo mi propia visión ".

"Flotopia", acrílico sobre panel / acrylic on board, 16,6" x 23,4", 2006

"Flotopia", detalle / detail

Las obras de Naoto Hattori pueden parecer a primera vista realizadas por medios digitales, pero son trabajos a puro pincel, generalmente utilizando acrílicos. Composiciones con elementos surrealistas y extraños seres, muchas veces jugando con la ironía, parodiando personajes u obras de arte de los clásicos. Destacan los paisajes, casi siembre verdes praderas y arrozales con árboles y montañas de fondo.

"Generador de vida / Life Generator", acrílico sobre panel / acrylic on board, 6,5" x 9", 2012

"Encuentra el conocimiento / Meet the Knowledge", acrílico sobre panel / acrylic on board, 5,3" x 6,8"

"Ninfa de los bosques / Wood Nymph", acrílico sobre panel / acrylic on board, 12" x 12", 2009

"Nunca he visto un extraterrestre, y no son alienígenas los que pinto, pero he visto y creado mi propio mundo en mi cabeza desde que era un niño. Ahora tengo habilidades que me permiten expresar lo que veo en mis visiones (...) Mi propio arte es aún una continua educación desde mis clases de dibujo en el kinder, simplemente pinto lo que quiero. Puede parecer extraño a mucha gente, pero ¿quién sabe qué está dando vuelas en sus cabezas?"

Izq./ Left: "Pájaro provocando / Provoking Bird", acrílico sobre panel / acrylic on board, 5,4" x 6,8", 2011
Der./ Right: "Bola de cristal / Crystal Ball", acrílico sobre panel / acrylic on board, 4,1" x 6", 2011

Izq./ Left: "Recolección / Recollection" 017, acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,8" x 5", 2013
Der. arriba / Right Up: "Reina conejo / Rabbit Queen", acrílico sobre panel / acrylic on board, 3" x 3,7", 2013
Der. abajo / Right down: "Vistazo / Peek" 028, acrílico sobre panel / acrylic on board, 2,3" x 2,3", 2013

Los textos están tomados de la web del artista y de una entrevista un poco antigua (2003) que puede leerse completa (en inglés) aquí.
Se puede disfrutar del trabajo de Naoto Hattori en su sitio web

"Nube mental / Mind Cloud", acrílico sobre panel / acrylic on board, 10" x 13,5", 2013

"Sueño REM 02 / REM Sleep 02", acrílico sobre panel / acrylic on board, 7,7" x 6,3", 2013

Naoto Hattori was born in 1975 in Yokohama Japan, studied Graphic Design in Tokyo before moving to New York to study in the School of Visual Arts. In the year 2000 he received a BFA in illustration from the School of Visual Arts. He has received Awards from the Society of Illustrators, the New York Directors Club, Communication Arts and also he has won numerous award from many art competitions and has been published in many art magazines. 

"Serie Payaso coronado / Crown Clown Series", #2, #3, #4, #5
Acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,5" x 3,5", 2013

"Arche", acrílico sobre panel / acrylic on board, 8" x 10", 2012

Of his work, He says: "My vision is like a dream, whether it's a sweet dream, a nightmare, or just a trippy dream. I try to see what's really going on in my mind, and that's a practice to increase my awareness in stream-of-consciousness creativity. I try not to label or think about what is supposed to be, just take it in as it is and paint whatever I see in my mind with no compromise. That way, I create my own vision."

"Inspirado / Inspired", acrílico sobre panel / acrylic on board, 12" x 12", 2010

Izq./ Left: "Alegre paseo / Joy Ride", acrílico sobre panel / acrylic on board, 4" x 5", 2013
Der./ Right: "Santa Mano / St. Hand", acrílico sobre panel / acrylic on board, 5" x 7", 2012

"Recolección / Recollection" 012, 011, 014, acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,8" x 5", 2013

At first glance Naoto Hattori's works may seem made ​​digitally, but are pure brushwork, usually using acrylics. Compositions with surreal elements and strange beings, often playing with irony, parodying characters or artworks by the Classics. Notable are also his landscapes, almost all green rice fields and meadows with trees and mountain background.

Izq./ Left: "Perro Darth / Darth Dog", acrílico sobre panel / oil on board, 3,5" x 4,6", 2013
Der./Right: "Mente enfocada / Focus Mind", acrílico sobre panel / acrylic on board, 10" x 13,5", 2013

"Mal día / Bad Day", acrílico sobre panel / acrylic on board, 10,2" x 12,8"

"I have never seen an alien and it is not aliens I try to paint but I've been seeing and creating my own world in my head ever since I was a little kid. Now I got skill to express what I see in my visions (...) My own art is still a continue education from my kindergarten drawing class, just paint whatever I want. It might look weird to some people but who knows what is going around in their heads?"

Izq./ Left: "Abeja loca / Crazy Bee", acrílico sobre panel / acrylic on board, 3" x 3,8", 2013
Centro / Center: "Yamato", acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,5" x 5", 2013
Der./ Right: "Malabarista / Juggler" 03, acrílico sobre panel / acrylic on board, 2,3" x 4,6", 2013

Izq./ Left: "Idolatrar / Idolize", acrílico sobre panel / acrylic on board, 8,1" x 10,8", 2011
Der./ Right: "Frontera / Border", acrílico sobre panel / acrylic on board, 6" x 8,5", 2009

Texts taken from artist's website and from an interview (a little bit old, 2003) you can fully read here.
You can enjoy Naoto Hattori's work in his website.

"Paseando / Walking" 02, acrílico sobre panel / acrylic on board, 7,7" x 7,7", 2008

Más sobre Naoto Hattori en "El Hurgador" / More about Naoto Hattori in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Naoto Hattori!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Naoto Hattori!)


Hasta el 7 de diciembre se puede ver obra de éste artista en la muestra colectiva "La Hora 13ª / The 13th Hour" que presenta la Galería Last Rites en New York City.


Until December 7 you can see work of this artist in the ongoing group show "the 13th Hour", in "Last Rites Gallery", New York City.

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Tara McPherson [Pintura, Ilustración]

Tara McPherson


Tara McPherson es una artista estadounidense nacida en San Francisco, California, en 1976, que trabaja desde New York.
Estudió en el Santa Monica Community College y obtuvo su licenciatura de Bellas Artes en el Art Center de Pasadena, California, en 2001. Mientras estudiaba en la universidad, hizo una pasantía en los Rough Draft Studios. En 2011 abrió su boutique Cotton Candy Machine en New York.

"Desde el abismo / From the Abyss", óleo sobre abedul / oil on birch, 20" x 24", 2009. 
Colección de / Collection of Alfonso Siegrist.

"El conejito en la luna / The Bunny in the Moon"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 101,6 x 76,2 cm., 2010.

El suceso que inspiró el título de ésta pintura, así como el tema del "Conejito en la Luna" que representa, y la primera vez que me impactó comprender la gran diversidad de las perspectivas sociales, fue cuando estaba en Japón cenando con unos amigos. Estábamos hablando sobre la luna y yo mencioné al hombre en la luna. Mi amigo japonés me miró con su rostro burlón y dijo "¿Un hombre en la luna? Querrás decir el conejito en la luna, ¿verdad?". Mi rostro se iluminó ante la idea de que cuando miramos a la luna, ¡la gente de Japón ve un conejito!. La leyenda, resumiendo, va sobre el conejito que sacrificó su vida para alimentar a un hombre hambriento, que de hecho era una deidad disfrazada. En homenaje al altruismo que mostró el conejito, la deidad hizo volar sus cenizas hasta la luna para que todos pudieran recordar su imagen y actos en los siglos venideros. Así que revisitando y desarrollando ese mito, ésta imagen va sobre ésta leyenda y cómo el sacrificio último de una vida puede equilibrarse con el amor, por la entrega total de uno mismo tan completa y desinteresadamente. ¿Y te devolverán ellos éste amor? ¿Te escribirán una carta de amor en un papelito en blanco sobre tu corazón, o lo utilizarán como un blanco y te ejecutarán como verdugos?

The event that inspired the the title of this painting as well as the theme of the 'Bunny in the Moon' show, and the first time I was struck with the realization of the huge diversity in social perspectives, was while I was in Japan having a dinner with some new friends. We somehow began discussing the moon and I mentioned the man in the moon. My japanese friend looked at me with this quizzical face and said "A man in the moon? You mean the bunny in the moon don't you?". My face lit up at the notion that when we all look at the moon people in Japan see a bunny! The legend, in a nutshell, is about the bunny that sacrificed his life to feed a starving man that was actually a deity in disguise. In homage to the selflessness the bunny showed, the diety made his ashes fly up to the moon so all could remember his image and act for ages to come. So in revisiting and evolving that myth, this image is about this legend and how the the ultimate sacrifice of a life and death can be equated to love, to give yourself to someone so completely and selflessly. And will they love you back? Will they write you a love letter on the blank piece of paper over your heart, or will they use it as a target and stab you like an executioner?

"Luminarias errantes / Wandering Luminations"
Óleo sobre lino montado sobre panel / oil on linen streched over panel, 121,92 x 91,44 cm., 2013.

Tara crea un arte que gira en torno a la gente y sus rarezas. Sus personajes parecen emanar una idealizada inocencia con atisbos en su mirada de una sabiduría ganada duramente. Con el recuerdo de los eventos de su niñez y su experiencia vital, crea imágenes que son tan provocativas como seductoras.
Ha creado numerosos posters para conciertos de bandas como Beck, Modest House, Melvins y muchas otras.

"Un retrato de Halloween / A Halloween Portrait", acrílico / acrylic, 10,5" x 9", 2007.
Colección privada / Private collection.

"Evolución del lenguaje / Evolution of Language", óleo / oil, 20" x 30", 2008.
Colección privada / Private collection.

"Siempre quise pintar, así que después de graduarme en la Escuela de Arte comencé una banda con mis amigos. Toco el bajo desde los 15 años. Así que tenía tiempo; había terminado el colegio, así que empecé la banda y comencé a hacer los flyers y posters. Yo coleccionaba posters... posters de rock. Y pensé... "Me gusta, puedo hacer algo en color con mis ilustraciones, hacer algo mejor". Los primeros que hice apestaban. No eran nada buenos."

Izq./Left: "La novia de nieve / The Snow Bride"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 101,6 x 50,8 cm., 2010.
Der./Right: "Algún lugar bajo el arcoiris, Rosa / Somewhere Under the Rainbow, Pink"
Óleo y acrílico / oil and acrylic, 12" x 24", 2008.

"El segundo fraccionado / The Fractioned Second", óleo / oil
14" x 11", 20" x 16", 30" x 24", 20" x 16" y 14" x 11", 2008.

"Está basado en una teoría de Einstein. Es un evento que predijo. No fue capaz de verlo durante su vida, pero predijo esta lente gravitacional. Donde hay un objeto muy brillante detrás de un objeto masivo, perfectamente alineado con la Tierra, y miramos hacia él. Teorizó que si existe un agujero negro o una galaxia masiva, se creará una depresión en el espacio-tiempo que la luz rodeará, con lo cual si ves el objeto frente a tí, perfectamente alineado, tendrás otras cuatro versiones de la misma imagen. Así se crea la "Cruz de Einstein" o lente gravitacional.
Así que ésta pintura se basa en ello, esa imposibilidad, aunque posibilidad, de ver un objeto desde el mismo punto pero con múltiples puntos de vista. Eso lo cambié un poco haciéndolo en una sola línea."

"Is based on one Einstein's theories. Is an event that he predicted. Wasn't even able to see in his lifetime, but he predicted this gravitational lens where a really bright object is behind a massive object, perfectly in line with Earth, and we are looking at it. He theorizes that if exist that black hole or massive galaxy, it will create such a deep in the space-time that light will wrap around this object so if you see the original object in front of you and if is perfectly aligned you will see four other versions of the same image. So creates the Einstein's cross or gravitational lens.
So that painting is based on that, that impossibility, but possibility of seen one object from the same spot but multiple points of view. So I kinda change it and made it on in one line."

"Oye, todos morimos a veces / Hey, We All Die Sometimes"
Óleo sobre abedul / oil on birch, 24" x 36", 2008.
Coleccion de / Collection of Alexandra Mazzanti.

"Creo que la gente se identifica con lo que hago en parte porque es algo personal. En verdad dibujo desde mi interior, sabes... Espero que la gente pueda ver la honestidad que hay en ello. Son simples comentarios sobre la vida real, la gente, sus relaciones... y el amor, sabes, y la pérdida del amor, ese ciclo. No todo es acerca de eso, pero creo que todo está relacionado.

"Cuchillo flor / Flower Knife", óleo / oil, 24" x 30", 2008. Colección privada / Private Collection.

Los comentarios de Tara están tomados de la entrevista cuyo video puede verse al final del post.
Se puede recorrer su obra en su sitio web y en su tienda online Cotton Candy Machine.

"Refugio de agua / Safety of Water"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 60" x 48", 2010.

Ésta pintura trata sobre encontrar refugio en un lugar aislado en medio del caos. El mito tiene su origen en un texto didáctico de la antigua Grecia, "El Epifanio", según el cual los elefantes antes de aparearse ingerirían la raíz de la mandrágora. Cuando está preparado para parir, el elefante busca refugio contra sus enemigos entrando en un pequeño lugar con agua. El Kappa que conduce al elefante tiene un depoósito de agua en su cabeza que se congela si el agua se vierte. Necesita el agua para sobrevivir y florecer. El elefante es el poderoso vehículo que han cogido el Kappa y las dos mujeres, una madre y su hija, hacia la charca, para escapar de quienes las persiguen. La tela del asiento del elefante, está adornada con flores de mandrágora. Encuentran la seguridad en éste místico lugar líquido, un lago que es una fuente inagotable de agua manando hacia abajo como una catarata circular.

Detalles / Details

This painting is about finding safety in an isolated place amidst chaos. The myth originates from an ancient Greek didactic text, The Epiphanius, where the elephants when preparing to mate would ingest the Mandrake root. When ready to give birth the elephant would find safety from their enemies by entering a small body of water. The Kappa riding the elephant, having a pool of water in his head, becomes frozen if the water spills. They need the water to survive and flourish. The elephant as the all mighty vehicle has taken the Kappa and the two women, a mother and daughter, to the pool to escape those who are chasing them. The fabric of the seat on the elephant is adorned with Mandrake flowers. They find safety in this mystical liquid place, a lake that is a fountain of never ending water streaming down like a round waterfall.

"La cascada de cristal / The Crystal Waterfall"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 76,2 x 45,72 cm.

Tara McPherson (born April 7, 1976 in San Francisco, California) is an American artist based in New York City. She studied art at Santa Monica Community College and earned her BFA from Art Center in Pasadena, CA in August 2001. While in college, she interned with Rough Draft Studios.
She opened the Cotton Candy Machine boutique in New York City in 2011.

"El valle fractal / The Fractal Valley", óleo sobre abedul / oil on birch, 18" x 18", 2009.
Colección privada / Private collection.

"Cómo vuelan tan fácilmente / How They Fly Away So Easily"
Óleo y acrílico / oil and acrylic, 24" x 30", 2008. Colección de / Collection of Rene deBos.

"La bruja de la materia oscura / The Dark Matter Witch"
Óleo y pan de plata sobre lino, montado sobre panel /
oil and silver leaf on linen, stretched over panel, 6,2 x 38,1 cm., 2010.

Tara creates art about people and their odd ways. Her characters seem to exude an idealized innocence with a glimpse of hard earned wisdom in their eyes. Recalling many issues from childhood and good old life experience, she creates images that are thought provoking and seductive. 
She has created numerous gig posters for rock bands such as Beck, Modest Mouse, Melvins and many others.

"Metrónomos aislados / Isolated Metronomes", óleo sobre abedul / oil on birch, 30" x 36", 2009.
Colección privada / Private Collection.

"I always wanted to paint, and then after graduate in the Art School I started a band with friends. I play bass since I was 15. So I found I had time. I had finished school so I start with the band and I start to making the flyers and posters. I was a collector of posters... rock posters. And I thought... "I do like, I can do something in colours with my illustrations, make it cooler". My first ones it sucks. They weren't pretty good."

"El amor que da el espacio es tan profundo como el océano / 
The Love Space Gives Is as Deep as the Oceans"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 48" x 48", 2010.

"I think part of what I do that people can relate to is because is personal to me. I really draw from within you know... Hopefully people can see the honesty in it. Is just comentaries on real life and people and relationships... and love, you know, and the lost of love, that cicle. Is not all about that but I mean... all is relatable."

"Buscando pingüinos / Searching For Penguins", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 48", 2010.

¿Sabías que un pingüino y un oso polar nunca se encontrarán de forma natural en estado salvaje? Uno vive en el Polo Norte y otro en el Polo Sur. Esta pintura es sobre la búsqueda de algo que nunca podrás ver.

Did you know a Penguin and a Polar Bear will never meet naturally in the wild? One lives on the North Pole and one on the South Pole. This painting is about the quest and search for something you are never meant to see.

Tara McPherson & Jeff Soto (*)
Póster para Pearl Jam en Manchester, 2012, acompañados del grupo "X" / 
Poster Pearl Jam with "X" in Manchester, 19,5" x 35,5", 2012.

(*) Jeff Soto es un artista contemporáneo estadounidense. Se ha dicho que su paleta distintiva, temática y técnicas vienen a ser el puente entre el Surrealismo Pop y el Street Art. Más información en Wiki.
Jeff Soto is an American contemporary artist. His distinct color palette, subject matter and technique have been said to bridge the gap between Pop Surrealism and Street Art. More info in Wiki.

Más sobre Jeff Soto en "El Hurgador" / More about Jeff Soto in this blog:

Tara's comments from an interview you can see at the end of this post.
You can enjoy Tara's work and get more information in her website and her online store Cotton Candy Machine.

"Jugando con fuego - La sanadora / Playing With Fire - The Healer"
Óleo sobre abedul / oil on birch, 24" x 30", 2009.
Colección privada / Private Collection.

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Tara!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tara!)


Volumen 12 de "The Vinyl Frontier" Spotlight, echando un rápido vistazo dentro del mundo de Tara McPherson. Parte de un documental de Daniel Zana, 2008.
This is vol.12 of "The Vinyl Frontier" Spotlight, taking a brief look into the world of Tara McPherson. Part of a documentary by Daniel Zana, 2008.

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Entrevista de "Andamos armados" a Tara McPherson. Inglés con subtítulos en español.
Interview to Tara by "Andamos armados". Spanish subtitles.



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