domingo, 19 de noviembre de 2017

Aniversarios Fotografía (CCII) [Noviembre / November 13-19]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Noviembre aquí / All anniversaries for November here.
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El 13 de Noviembre es el cumple de

Robert Whitaker, renombrado fotógrafo británico nacido en Harpenden, Hertfordshire, Inglaterra en 1939.

"The Beatles", Perthshire, Escocia / Scotland, 1964 © Robert Whitaker. Morrison Hotel

Es conocido internacionalmente por sus numerosas fotografías de The Beatles, tomadas entre 1964 y 1966, y por las del grupo de rock Cream, que se utilizaron en el collage diseñado por Martin Sharp en la portada de su LP de 1967 Disraeli Gears.
Comenzó su carrera fotográfica en Londres a fines de la década de 1950, pero se mudó a Melbourne en 1961, donde comenzó a estudiar en la Universidad de Melbourne y se convirtió en parte de la pequeña pero floreciente escena artística de Melbourne.
Whitaker dirigía un estudio fotográfico de penthouse independiente en Flinders Street, Melbourne, cuando tuvo su azaroso encuentro con The Beatles y su manager Brian Epstein, durante la gira australiana del grupo en junio de 1964.

"The Beatles", Munich, Alemania / Germany, 1966 © Robert Whitaker. Morrison Hotel

Fue con The Beatles y especialmente con John Lennon, de quien se hizo amigo íntimo, que Whitaker creó su obra más famosa y perdurable. Una de sus primeros encargos fue fotografiar a The Beatles durante su triunfante segunda gira por Estados Unidos, incluido el histórico concierto del Shea Stadium en Nueva York. Pasó los siguientes dos años viajando con los Beatles y fotografiándoles en el trabajo, en el descanso y en el juego: en sus giras, en casa, en el estudio de grabación, durante momentos privados y en sesiones fotográficas formales. Sus fotos de este período incluyen los retratos que se utilizaron para formar el collage-ilustración de Klaus Voormann en la portada del emblemático LP Revolver de 1966, y una serie de retratos del grupo tomados mientras hacían películas promocionales para los singles "Rain" y "Paperback Writer" en Chiswick Park, Londres en 1966, incluido el famoso retrato "Way Out" de George Harrison.

"Eric Clapton", Escocia / Scotland, 1967 © Robert Whitaker. Morrison Hotel

Eric Clapton en "El Hurgador" / in this blog[Blues & Jazz / Black & White (IX)]

La obra más famosa de Whitaker es la foto de 1966 de la que The Beatles se apropiaron para la infame portada del álbum Yesterday and Today de The Beatles, que fue lanzada brevemente en los Estados Unidos en 1966, pero se retiró apresuradamente.
A finales de 1966 The Beatles se retiró de la gira y durante la primera mitad de 1967 se instalaron en Abbey Rd trabajando en Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band. Con las exigencias de las giras ya terminadas, la asociación de Whitaker con The Beatles.
El siguiente gran proyecto de Whitaker, y una de sus colaboraciones más famosas, fue creado junto con Martin Sharp: la clásica portada del disco psicodélico del disco de Cream de 1967 "Disraeli Gears".
En los años siguientes, Whitaker gradualmente se alejó de la escena pop y regresó al mundo del arte, donde había comenzado su carrera fotográfica. Uno de sus temas más famosos de este período fue un héroe de mucho tiempo, el decano del surrealismo, Salvador Dalí, a quien fotografió varias veces entre 1967 y 1972. Conoció a Dalí en su mansión española y le dijo que quería usar su cámara "para meterse en su cabeza".
Murió en 2011.

"The Beatles", Cliveden, Inglaterra / England, 1965 © Robert Whitaker. Morrison Hotel

The Beatles en "El Hurgador" / in this blog:


El 14 de Noviembre es el cumple de

William Lawrence "Willie" Christie, fotógrafo de moda y director de cine británico nacido en 1948.

"Pink Floyd", arte del álbum / art for the Álbum "The Final Cut", 1983

Pink Floyd en "El Hurgador" / in this blog:

A los 19 años trabajó en el yate de Richard Burton y Elizabeth Taylor "Kalizma" durante un mes, para luego trabajar, a los 19 años, como asistente del fotógrafo de modas David Anthony. En 1973 apareció en Top of the Pops tocando el bajo con Roxy Music.
En 1969 el periodista BP Fallon le pidió que fotografiara a los Rolling Stones que estaban ensayando en los Apple Studios de los Beatles para su concierto en Hyde Park después de la muerte de Brian Jones.

"Robert Fripp & Brian Eno", Portada del álbum / Album cover for "(No Pussyfooting)", 1973

Robert Fripp en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLXXXII)]

En 1970 Christie se independizó como fotógrafo. Las comisiones fueron lentas, pero en los siguientes tres años construyó un buen portafolios. Continuó fotografiando moda y celebridades. Cary Grant, Douglas Fairbanks Jr y Grace Jones fueron algunas de ellas.

"Rolling Stones (Mick Jagger)", Ensayos / Rehearsals, Apple Studios, 1969

Rolling Stones en "El Hurgador" / in this blog[Pablo Lobato (Caricaturas)], [Aniversarios (XCV)]

Produjo retratos para David Bowie, Cliff Richards, King Crimson y muchos más. En 1983 dirigió un video de cuatro canciones para el álbum "The Final Cut" de Pink Floyd, cuya cubierta también incluía su fotografía. El bajista de la banda, Roger Waters, estaba en ese momento casado con su hermana mayor, lady Carolyne Anne Christie. También diseñó y tomó fotografías para la portaa del álbum de 1973 de Robert Fripp y Brian Eno "(No Pussyfooting)".
En 1982, comenzó a dirigir comerciales.

"Robert Fripp", 1972

La obra de Christie se exhibió en Vision Gallery (Arizona), la Little Black Gallery, fue seleccionada para la Exposición de verano de la RA 2011 y su retrato Mick Jagger de 1969 fue seleccionado para la gira internacional de la exposición 2010 de Recontres D'Arles.
Escribió y dirigió la película de 1998 "El susurro / The Whisper", basada en una historia corta de Anton Chekhov.

"David Bowie, Catherine Deneuve, Susan Sarandon", 1982

David Bowie en "El Hurgador" / in this blog:
Susan Sarandon en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CXCVII)]
Catherine Deneuve en "El Hurgador" / in this blog[Youssef Nabil (Fotografía)], [Aniversarios Fotografía (CLVIII)]


El 15 de Noviembre es el cumple de

Elena Skochilo, conocida en la web con el sobrenombre de "morrire", editora, fotógrafa y bloguera nacida en 1980 en Bishkek, Kirguistán.

"Lyuli, Osh, Kyrgyzstan". Flickr
Los Lyuli son una de las ramas orientales de los gitanos, que habitan partes de Tajikistan, Uzbekistan, Kazakhstan and Kyrgyzstan.
En Osh, se ganan la vida recolectando material para reciclar: metal y plástico. Ha llegado un camión para recogerlo, así que todos se acercan para canjear su botín. /
Lyuli are one of the eastern branches of Roma who inhabit parts of Tajikistan, Uzbekistan, Kazakhstan and Kyrgyzstan.
In Osh, they make a living by collecting recyclables – metal and plastic. A truck has arrived to pick it up, so everyone coming out to redeem their loot.

Es más famosa por su galardonado blog de noticias LiveJournal, que fue citado ampliamente por blogueros y medios de comunicación durante la Revolución Tulipán de Kirguistán en 2005 cuando publicaba noticias y fotografías hechas por ella misma sobre los desórdenes civiles en Bishkek.
Skochilo es colaboradora actual de artículos de noticias y fotografía para neweurasia, un proyecto de noticias e información para Asia Central y la región del Cáucaso. Es la ex editora de News Briefing Asia Central, un proyecto regional de noticias del Instituto de Informes de Guerra y Paz. Contribuye regularmente con fotografías a Associated Press, Lenta.ru y EurasiaNet.

"Ak-Tuz, Kyrgyzstan", Flickr
Ak-Tuz, cuyo nombre en kirguiso significa "Valle Blanco", encaja con su nombre: el entorno a su alrededor parece envuelto en blancura. Este pequeño pueblo perdido se encuentra cerca de un pozo de relaves. En la época soviética existía una empresa de procesamiento de mineral. Ahora, 4,7 millones de metros cúbicos de desechos radiactivos enterrados son realmente peligrosos para todo lo que vive aquí./
Ak-Tuz, whose name in Kyrgyz means “White Valley”, fits its namesake: the environment around it seems enshrouded in whiteness. This small lost village is situated near the tailing pit. There was the ore-dressing and processing enterprise at the Soviet times. Now 4,7 millions cubic metres of the radioactive buried wastes are really danger for everything alive here.

"Ak-Tuz, Kyrgyzstan". Flickr

Actualmente  es instructora del departamento de Periodismo y Comunicación de Masas en la Universidad Estadounidense de Asia Central. Enseña fotografía, nuevos medios, leyes de medios y ética, etc.

Rostros de / Faces of Bukhara, Uzbekistán. Flickr

Joven con máscara naranja de pie frente a la Casa de Gobierno, durante una manifestación demandando la dimisión del presidente kirguís Kurmanbek Bakiyev en Bishkek, Kirguistán, 19 de abril de 2007 /
The young man in the orange mask standing near the Government House, during a rally demanding Kyrgyz President Kurmanbek Bakiyev's resignation in Bishkek, Kyrgyzstan, April 19, 2007. Flickr


El 16 de Noviembre es el cumple de

Ed Kashi, fotoperiodista estadounidense nacido en 1957, y miembro de VII Photo, con sede en el área metropolitana de Nueva York.

"Pakistán encontrado / Pakistan Encountered". Link
Un vistazo a la vida cotidiana en Pakistán, 1998
Mohamed Sadiq, de 60 años, barbero durante 40 años, lleva adelante su negocio en Fawara Chauk (Plaza de la Fuente) en la ciudad de Rawalpindi /
Overview of daily life in Pakistan, 1998
Mohamed Sadiq, 60, a barber for 40 years, runs business in Fawara Chauk (Fountain Square) in city of Rawalpindi.

La obra de Kashi abarca desde el fotoperiodismo impreso hasta el cine experimental. Es conocido por documentar cuestiones sociopolíticas.
Kashi cubrió la difícil situación del pueblo kurdo y el impacto de la industria petrolera en el empobrecido delta del Níger. Es conocido por su cobertura de la comunidad protestante en Irlanda del Norte y la lucha entre chiíes y sunitas en Iraq.

"Cambio climático cotidiano / Everyday Climate Change". Link
Los locales siguen con su rutina, caminando sobre montones de basura que arden a lo largo de las vías férreas en Kaduna, Nigeria, 3/2013 /
Locals go about their routines, stepping over garbage heaps that burn along the railroad tracks in Kaduna, Nigeria on April 3, 2013

"Cambio climático cotidiano / Everyday Climate Change". Link
Carboneros trabajando en el bosque arenoso, que es un área densamente poblada de árboles hace 20 años. Hacer carbón para combustible es una de las necesidades diarias de la gente que así se ganan la vida, pero contribuye a la pérdida de bosques vitales. /
Charcoal makers work in the sandy forest, which is an area that twenty years ago was dense with trees. Making charcoal for fuel is one of the daily needs of the people and is also a way to make a living, but it contributes to the loss of vital forests.

Kashi y su esposa, Julie Winokur, son co-fundadores de una compañía multimedia sin fines de lucro llamada Talking Eyes Media.
Kashi usa fotogramas junto con video y audio para contar historias. Ha trabajado en estrecha colaboración con la National Geographic Society desde 1990 y tiene un título en fotoperiodismo de la Universidad de Syracuse.

"El crisol de Marsella / Marseille's Melting Pot". Link
En 2010 - 2011, Ed Kashi pasó tiempo fotografiando en Marsella, Francia, por encargo de National Geographic. Marsella es la segunda ciudad más grande de Francia y tiene la población musulmana más grande de cualquier ciudad de Europa. /
La playa Le Prado es un punto de encuentro para todas las comunidades de Marsella. 14/5/2001
In 2010 – 2011, Ed Kashi spent time photographing in Marseille, France on assignment for National Geographic. Marseille is the second largest city in France, and has the largest Muslim population of any city in Europe.
Le Prado beach is a meeting point for all communities of Marseille, France on May 14, 2011.


El 17 de Noviembre es el cumple de

August Kreyenkamp, pintor, escultor y fotógrafo alemán nacido en Telgte en 1875.
De 1895 a 1899 estudió en la Academia de Arte de Dusseldorf.

"Macro-estructuras / Macro-Structures"
copia a la gelatina de plata de época sobre papel Agfa Bovira /
Vintage gelatin silver print on Agfa Brovira paper, 38,9 x 28,9 cm. Lempertz

En 1907 trabajó como fotógrafo independiente; sus principales clientes fueron el Museo del Patrimonio Urbano y el archivo de imágenes del Museo Renano.
Durante la Primera Guerra Mundial sirvió en el ejército. En 1915 se le encargó la creación de Kölnischen Boor, una estatua monumental frente al Gürzenich, Colonia.

"Schmetterlingsflügel / Ala de mariposa / Butterfly Wing"
Copia a la gelatina de plata sobre papel grueso amarillento /
gelatin silver print on strong, yellowish paper38,5 x 28,5 cm. Lempertz

En 1930 fue cofundador de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de Colonia.
En 1939 publicó fotografías de sus viajes con explicaciones técnicas en la revista Gebrauchsfotografie - Das Atelier des Fotografen.
Murió en 1950.

"Distel / Cardo / Thistle"
Copia a gelatina de plata / gelatin silver print, 38,6 x 28,7 cm. Lempertz


El 18 de Noviembre es el cumple de

Javad Moghimi Parsa, fotógrafo iraní nacido en 1985 en Sari.
«Empecé a fotografiar cuando tenía 18 años. Al principio trabajé como camarero en un restaurante en Sari, en el norte de Irán, para ganar algo de dinero y comprarme una cámara. En 2005 comencé a tomar fotos para la agencia de noticias Fars en Irán, después de conocer a su editor de imágenes por casualidad. Aún recuerdo que durante ese tiempo apenas sabía cómo funcionaban las cámaras.

Elecciones, Teherán, Irán, 2009 © Javad Parsa
En 2009, tras el anuncio de los resultados de la décima ronda de las elecciones presidenciales de Irán, Mahmoud Ahmadinejad fue declarado presidente nuevamente. Miles de manifestantes que veían las elecciones como un golpe de Estado protestaron en Teherán y en varias ciudades iraníes. Los partidarios de Mir-Hossein Mousavi, principal rival electoral de Ahmadinejad, cuestionaron la legitimidad del conteo de votos. Estas protestas fueron brutalmente reprimidas por las fuerzas de seguridad del régimen y las milicias paramilitares. La brutalidad de la represión no tiene precedentes en los últimos diez años.

Elections, Tehran, Iran, 2009.
In 2009, following announcement of the results of the tenth round of Iran's presidential elections Mahmoud Ahmadinejad was declared president again. Thousands of protesters viewing the election as a coup d'etat protested in Tehran and in several Iranian cities. Supporters of Mir-Hossein Mousavi, Ahmadinejad's main election rival, questioned the legitimacy of the vote count. These protests were brutally repressed by the regime's security forces and paramilitary militias. The brutality of the repression has been unprecedented in the last ten years.

Mientras estaba fotografiando para ellos solía experimentar mucho y en esos cuatro años intensos siempre he tratado de encontrar formas interesantes de captar el tema que me interesaba. Nací en un país, Irán, donde la democracia real no existe. Incluso hoy en día hay dos tipos de periodistas: los que trabajan para el gobierno y realmente no se los puede llamar periodistas y los otros que apenas intentan trabajar como investigadores críticos de nuestra sociedad; estos últimos lamentablemente están trabajando en circunstancias muy complicadas en un país gobernado por un dictador. En 2005 obtuve un puesto de tiempo completo como fotógrafo en la agencia de noticias de Irán controlada por el gobierno nacional. En 2007 ingresé en la Universidad de Khabar para estudiar fotografía.

Mina Torabzadegan, de 35 años, y su hija, de 9. Mina vive con su novio en Noruega. Ella tiene una Maestría en Planificación Cultural. Es una activista y lucha por los derechos de las mujeres. Ella cree que las leyes de Sharia en Irán legalizaron la violencia contra las mujeres. Mina se vio obligada a abandonar Irán hace dos años junto con Diana. Vino a Noruega con la esperanza de seguir luchando contra el régimen islámico y las leyes de la Sharia. Ella espera que sus esfuerzos y los de otros activistas, promuevan los derechos humanos en Irán y que las niñas como Diana puedan crecer en un país con los mismos derechos, independientemente del género y la religión./
Mina Torabzadegan, 35, and her daughter, 9. Mina lives with her boyfriend in Norway. She has a M.A in Cultural Planning. She is an activist and fights for women rights. She believes that the Sharia laws in Iran has legalized violence against women. Mina was forced to leave Iran two years ago along with Diana. She came to Norway hoping to continue struggling against Islamic regime and Sharia laws. She hopes that her and other activists` efforts, will promote human rights in Iran and that girls like Diana will be able to grow up in a country with equal rights, regardless gender and religion.
© Javad Parsa

Mis imágenes a menudo fueron prohibidas por el gobierno que no le gustó mi visión personal de Irán. En 2009 durante las protestas públicas, después de las llamadas elecciones iraníes, mi agencia me asignó para documentar los eventos. Algunas de mis imágenes fueron sacadas clandestinamente de Irán y publicadas por revistas internacionales, una fue elegida para la portada de la edición del 29 de junio de 2009 de la revista Time. En pocos días tuve que abandonar Irán permanentemente porque el gobierno estaba tratando de arrestarme por mis imágenes publicadas en el extranjero. También tuve que dejar mis estudios atrás. Desde entonces he vivido en Turquía y desde 2010 vivo en Oslo, Noruega. Ahora estoy trabajando como fotógrafo independiente para periódicos noruegos.

Una mujer camina por un callejón a la luz de la mañana /
A woman walks down an alley in morning light, Jodhpur, Rajasthan, India

Mi trabajo ha sido publicado en numerosas publicaciones nacionales e internacionales, incluida la portada de la revista Time, "Irán contra Irán". The New York Times, The Washington Post, Newsweek, The Seattle Times, la francesa Le Figaro, Paris Match, The Guardian, 6Mois, Colors Magazine, The World de PRI, Toronto Star, Amnesty International para la serie de postales y otros. Estoy casado con una esposa encantadora que también trabaja como fotógrafa.
Ahora estoy documentando a exiliados iraníes de todo el mundo. Viajé a EE.UU., Canadá, Noruega, Turquía, Grecia y Suecia. Conocí a generaciones de inmigrantes iraníes que compartían el objetivo de una vida mejor alimentada por la libertad social, política y religiosa.»

"Milicia Basij de Irán", Teherán, 2007 © Javad Parsa
El Basij, o Los Oprimidos Movilizados, es un grupo de milicias formado por voluntarios. Prácticamente cada ciudad en Irán incluye una organización Basij. Las estimaciones de la escala de membresía de Basij varían ampliamente entre 1 millón y 8 millones de miembros, incluidos mujeres y niños mayores de 12 años. En general, los miembros de Basij solo pueden portar armas en circunstancias especiales, pero las sesiones de entrenamiento, cuando tienen lugar, se centraran en el manejo de, en la mayoría de los casos, AK-47s. La capacitación también incluye primeros auxilios y la necesidad de su función como servicio de gestión de emergencias cuando se despliega durante o después de un desastre natural. El control de disturbios también ocupa una posición central en estas sesiones. La milicia también se puede movilizar para intervenir en las manifestaciones. /
Iran's Basij Militia, Tehran, 2007
The Basij or "The Mobilised Oppressed" is a militia group made up entirely of volunteers. Practically every city in Iran includes a Basij organisation. Estimates of the scale of Basij membership varies wildly between 1 million to 8 million members, including women and boys over the age of 12. Generally speaking Basij members are only allowed to carry weapons under special circumstances, but training sessions when taking placa will focus on the handling of, in most cases, AK-47s. Training also includes first aid, and the necessity for their role as an emergency management service when deployed during or after a natural disaster. Riot control also takes a central position in these sessions. The militia can also be mobilised to take part in demonstrations.


Hoy, 19 de Noviembre, es el cumple de

Anthony Asael, fotógrafo belga, de origen turco e italiano, nacido en 1974 en Bruselas. Es el fundador de la organización sin fines de lucro Art in All of Us. Anthony Asael ha viajado, fotografiado y enseñado en todos los 193 países miembros de la ONU.

Actividades de El arte en todos nosotros, cuatro niños mirando hacia arriba, sonriendo y riendo,
Centro de cuidado infantil en Kauma, Lilongwe, Malawi /
Art in All of Us activities, four children looking up and smiling and laughing
Malawi, Lilongwe, Kauma Community Based Childcare Centre (CBCC)Flickr

A los 7 años revelaba fotografías en blanco y negro en su laboratorio. Viajó con y aprendió de Ruggero Gabbai, un fotógrafo profesional y director de cine italiano.
Se graduó de Solvay Business School en Bélgica. Ocupó varios puestos de gestión en diversas empresas de TI y telecomunicaciones. En 2004 decidió dedicarse al sector sin fines de lucro y fundó "El arte en todos nosotros / Art in All of Us", una organización que afirma promover la tolerancia y los intercambios culturales en las escuelas. Después de haber viajado por todo el mundo y encontrarse con diferentes culturas, Asael tiene como objetivo dar un derecho de expresión a los niños y construir más tolerancia a través del intercambio artístico y la comunicación. Él pretende que el arte en todos nosotros sea la plataforma internacional de intercambios de arte infantil, promoviendo la tolerancia y los intercambios culturales creativos utilizando el lenguaje universal del arte.

Retrato de un chico colombiano con la cara pintada, la cabeza afeitada y una gran sonrisa dientuda /
Portait of a Colombian boy with face paint and shaved head and big toothy smile.
Tierrabomba, Colombia. Flickr

El libro de arte mundial de "El arte en todos nosotros" (también llamado Arte en todos nosotros, El mundo visto a través de los ojos y las rimas de los niños) fue lanzado el 20 de noviembre de 2009 en las Naciones Unidas en Nueva York, en el marco de la 20 años de aniversario de la Convención de los Derechos del Niño. Presenta en un libro cada uno de los 193 países miembros de la ONU a través de un niño local, con un solo retrato, un dibujo y un poema del niño. Anthony Asael fue el fotógrafo principal en esta expedición.

Grupo de chicos africanos sonriendo y mirando hacia el techo con alegría /
Group of african boys and girls smiling and watching to the ceiling with happiness.
Brazzaville, República del Congo. Flickr

Joven africana de pie frente a un muro verde /
African young girl standing in front of a green wall, Mozambique. Link

Las ilustraciones y fotografías de Asael se han exhibido en más de 80 exposiciones desde el año 2000. Sus exposiciones "Colores y aromas", "Los 8 objetivos del milenio", "Derechos de los niños", "Conoce tu mundo" y "La gira mundial de arte de los niños" han recorrido 5 continentes. Su obra fue presentada en 2006-2008 en exhibiciones sobre los Objetivos del Milenio en Bruselas, Milán, Amberes, Toronto, Nueva York y en Santiago por el 60 aniversario de Unicef. El Children World Art Tour se lanzó en 2010 en la estación de tren central de Amberes y Tour & Taxis en Bruselas.
Con "Art in All Us", ha impartido clases de fotografía a más de 388,000 niños en más de 1650 escuelas a través de una asociación con UNICEF o Aldeas Infantiles SOS.

Retrato en primer plano de una chica con velo oliendo una rosa /
Closeup portrait of a girl in headscarf smelling rose flower, Khartoum, Sudan. Pinterest


Textos en inglés / English translation

On November 13 is the birthday of

Robert Whitaker, renowned British photographer born in Harpenden, Hertfordshire, England in 1939.
He's best known internationally for his many photographs of The Beatles, taken between 1964 and 1966, and for his photographs of the rock group Cream, which were used in the Martin Sharp-designed collage on the cover of their 1967 LP Disraeli Gears.
He began his photographic career in London in the late 1950s but he moved to Melbourne in 1961, where he began studying at the University of Melbourne and became part of the small but flourishing Melbourne arts scene.
Whitaker was running a freelance penthouse photo studio in Flinders Street, Melbourne when he had his fateful meeting with The Beatles and their manager Brian Epstein, during the group's June 1964 Australasian tour.
It was with The Beatles and especially John Lennon, with whom he became close friends, that Whitaker created his most famous and enduring work. One of his first assignments was photographing The Beatles during their triumphant second American tour, including the historic Shea Stadium concert in New York. He spent the next two years travelling with the Beatles and shooting them at work, at rest and at play—on their tours, at home, in the recording studio, during private moments, and in formal photo-sessions. His photos from this period include the portraits that were used to form the Klaus Voormann collage-illustration on the cover of the group's landmark 1966 LP Revolver, and a series of group portraits taken while the group was making promotional films for the singles "Rain" and "Paperback Writer" in Chiswick Park, London in 1966, including the famous "Way Out" portrait of George Harrison.
Whitaker's most celebrated work is the 1966 photo which was appropriated for The Beatles' infamous Yesterday and Today album cover, which was briefly released in the US in 1966 but hastily withdrawn.
In late 1966 The Beatles withdrew from touring and during the first half of 1967 they were ensconced in Abbey Rd working on Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band. With the demands of touring now over, Whitaker's association with The Beatles and NEMS came to an end.
Whitaker's next major project, and one of his most famous collaborations, was created with Martin Sharp—the classic psychedelic album cover for Cream's landmark 1967 LP Disraeli Gears.
Over the next few years Whitaker gradually moved away from the pop scene and back to the art world, where he had begun his photographic career. One of his most famous subjects from this period was a longtime hero, the doyen of surrealism, Salvador Dalí, whom he photographed several times between 1967 and 1972. He first met Dalí at his Spanish mansion and told him that he wanted to use his camera "to get inside his head".
He died in 2011.

On November 14 is the birthday of

William Lawrence "Willie" Christie, British fashion photographer and film director born in 1948.
At 19 he worked on Richard Burton and Elizabeth Taylor's yacht, Kalizma for a month, before working, aged 19, as assistant to fashion photographer David Anthony. In 1973 he appeared on Top of the Pops 'playing' bass with Roxy Music.
In 1969 he was asked by the journalist BP Fallon to photograph the Rolling Stones who were rehearsing in the Beatles' Apple Studios for their concert in Hyde Park following the death of Brian Jones.
In 1970 Christie went freelance as a photographer. Commissions were slow but over the next three years he built a good portfolio.
Christie continued photographing both fashion and celebrities. Cary Grant, Douglas Fairbanks Jnr and Grace Jones being just three.
He produced portraits for David Bowie, Cliff Richards, King Crimson and many more. In 1983, he directed a four-song video for Pink Floyd's The Final Cut album, whose sleeve also featured his photography. The band's bassist Roger Waters was at the time married to his older sister, Lady Carolyne Anne Christie. He also designed and took photographs for the sleeve of the 1973 Robert Fripp and Brian Eno album "(No Pussyfooting)".
In 1982, he began directing commercials.
Willie Christie's work has been showcased in Vision Gallery (Arizona), the Little Black Gallery, selected for the RA's Summer Exhibition 2011 and his Mick Jagger portrait of 1969 was selected for the international tour of Recontres D'Arles' 2010 exhibition.
He wrote and directed the 1998 film The Whisper, based on a short story by Anton Chekhov.

On November 15 is the birthday of

Elena Skochilo, known in the web under the nickname morrire, editor, photographer and blogger born in 1980 in Bishkek, Kyrgyzstan.
She is most famous for her LiveJournal award-winning news blog which went widely cited by bloggers and mass media during Kyrgyzstan's Tulip Revolution in 2005 when she was posting news and self-made photographs about civil disorder in Bishkek.
Ms. Skochilo is a current contributor of news articles and photography for neweurasia, a news and information project for Central Asia and the Caucasus region. Skochilo is former editor of News Briefing Central Asia, a regional news project of Institute for War & Peace Reporting. She regularly contributes photography to the Associated Press, Lenta.ru, and EurasiaNet.
Currently, Elena Skochilo is an instructor of Journalism and Mass Communication department in American University of Central Asia. She is teaching photography, new media, media law and ethics, etc.

On November 16 is the birthday of

Ed Kashi, American photojournalist born in 1957, and member of VII Photo, based in the Greater New York area.
Kashi's work spans from print photojournalism to experimental film. He is most noted for documenting sociopolitical issues.
Kashi covered the plight of the Kurdish people and the impact of the oil industry upon the impoverished Niger Delta. He is known for his coverage of the Protestant community in Northern Ireland, and the strife between the Shiites and Sunnis in Iraq.
Kashi and his wife, Julie Winokur, are co-founders of a non-profit multimedia company called Talking Eyes Media.
Kashi uses stills along with video and audio for storytelling purposes. He has worked closely with National Geographic Society since 1990 and holds a degree in photojournalism from Syracuse University.

On November 17 is the birthday of

August Kreyenkamp, German painter, sculptor and photographer born in Telgte in 1875.
From 1895-99 he studied at the Art Academy in Dusseldorf.
In 1907 he worked as a freelance photographer; his main clients were the Urban Heritage Museum and the image archive of the Rhenish Museum.
During the First World War he served in the military. In 1915 was commissioned to create Kölnischen Boor, a monumental statue in front of the Gürzenich, Cologne.
In 1930 he was cofounder of the Cologne Association of Professional Photographers.
In 1939 published photographs from his travels with technical explanations in the journal Gebrauchsfotografie – Das Atelier des Fotografen.
He died in 1950.

On November 18 is the birthday of

Javad Moghimi Parsa, Iranian photographer born in 1985 in Sari.
«I started photography when I was 18 years old. At the beginning I worked as a waiter in a restaurant in Sari, in Northern Iran, to earn some money to buy me a camera. In 2005 I began taking pictures for Fars News Agency in Iran after I met its picture editor by chance. I still remember that during that time I hardly knew how cameras worked. While I was shooting for them I used to experiment a lot and in those four intense years I ve always tried to find interesting ways to shoot the subject which I was interested in. I was born in a country, Iran, where real democracy is not existing. Even today there are two kind of journalists: the ones who work for the government and cannot be really called journalists and the others who hardly try to work as critical investigators of our society; the latter are unfortunately working under very complicated circumstances in a country ruled by a dictator. In 2005 I got a full-time position as photographer with the national government-controlled news-agency of Iran, in 2007 I was admitted to the Khabar University to study photography. My images were often banned by the government that did not like my personal vision of Iran. In 2009 during the public protests, after the so called Iranian elections, I was assigned by my agency to document the events. Some of my images were smuggled out of Iran and published by international magazines, one was choosen for the cover of the 29 june 2009 edition of Time Magazine. Within few days I had to leave Iran permanently since the government was trying to arrest me for my images published abroad. I had also to leave my studies behind. I have since lived in Turkey and in 2010 been living in Oslo, Norway. Now i’m working as a freelance photographer for Norwegian newspapers.
My work has been published in numerous national and international publications including, the cover of Time magazine, “Iran vs. Iran”. The New York Times, The Washington Post, Newsweek, The Seattle Times, France’s Le Figaro, Paris Match, The Guardian, 6Mois, Colors Magazine, PRI's The World, Toronto Star, Amnesty International for the postcard series and others. I am married to a lovely wife who is also working as a photographer.
I’m Now, documents exile Iranians all over the globe.. I traveled to USA, Canada, Norway, Turkey, Greece and Sweden. I met generations of Iranian immigrants who shared the goal of a better life nurtured by social, political and religious freedom.»
WebsiteWorld Press Photo

Today, November 19, is the birthday of

Anthony Asael, Belgian photographer born in 1974 in Brussels. He is of Turkish and Italian origin. He is also the founder of the not-for-profit organization Art in All of Us. Anthony Asael has traveled through, photographed and taught in all 193 UN member countries.
At 7 years old, he developed his black-and-white photography in his lab. He traveled with and learned from Ruggero Gabbai – a professional Italian photographer and film director.
Asael graduated from Solvay Business School in Belgium. He held several management positions at various IT and telecommunication companies. In 2004 he decided to dedicate to the non-profit sector and founded Art in All of Us, an organisation that claims to promote tolerance and cultural exchanges in schools. Having traveled throughout the world and encountered with different cultures, Asael aims at giving a right of expression to children and building more tolerance through artistic exchanges and communication. He wants Art in All of Us to be the international platform of child art exchanges, promoting tolerance and creative cultural exchanges while using the universal language of Art.
The World Art Book of Art in All of Us (also called Art in All of Us, The World seen through the Eyes and Rhymes of the Children) was launched the 20 of November 2009 at the United Nations in New York in the frame of the 20 years anniversary of the Children Rights Convention. It presents in one book each of the 193 UN member countries through a local child, with a single portrait and a drawing and a poem by the child. Anthony Asael was the main photographer in this expedition.
Asael's artwork and photography have been shown in over 80 exhibitions since 2000. His exhibitions "Colors and Scents", "The 8 Millennium Goals", "Children Rights", "Know your World" and the "Children World Art Tour" has toured through 5 continents. He was featured in 2006-2008 within exhibitions on the Millennium Goals in Brussels, Milan, Antwerp, Toronto, New York and in Santiago for the 60th anniversary of the Unicef. The Children World Art Tour was launched in 2010 at Antwerpen-Centraal railway station and Tour & Taxis in Brussels.
With Art in All of Us, he has provided photography classes to over 388,000 children in over 1650 schools through partnership with UNICEF or SOS Children Villages.

sábado, 18 de noviembre de 2017

Aniversarios (CCII) [Noviembre / November 12-18]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Noviembre aquí / All anniversaries for November here.
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El 12 de Noviembre es el cumple de

Laurin McCracken, pintor acuarelista estadounidense nacido en 1942 en Meridian, Mississippi, conocido por sus naturalezas muertas fotorrealistas, florales, paisajes y otros temas.

"Reflejos en peltre / Reflections in Pewter", acuarela / watercolor, 21" x 24". Southwest Art

"Frutas, cristal y porcelana china / Fruit, Crystal and Chinese Porcelain"
Acuarela / watercolor, 20" x 26". Wikimedia Commons

McCracken obtuvo un bachiller en Arte y Arquitectura de la Rice University. También se graduó de la Universidad de Princeton con una Maestría en Arquitectura y Planificación Urbana. Durante cuarenta años trabajó como arquitecto y director de marketing para varias de las firmas de arquitectura e ingeniería más importantes del país.

"Botes de conservas sobre negro / Canning Jars on Black", acuarela / watercolor, 22" x 40"

"Negro, blanco y rojo / Black, White and Red", acuarela / watercolor, 38" x 28"

Tomó sus primeras clases de acuarela en 1999 con Gwen Bragg en The Art League en Alexandria, Virginia. También estudió con Alain Gavin, profesor del Instituto de Arte de Chicago.
McCracken se retiró y comenzó a pintar a tiempo completo. Vive y trabaja en Fort Worth, Texas.

"Botellas sobre cajón de madera / Bottles on Wooden Box", acuarela / watercolor, 15" x 10,5". JJC


El 13 de Noviembre es el cumple de

Ernst Thoms, pintor alemán, nacido en 1896 en Nienburg/Weser.
Después de servir como aprendiz de pintor entre 1911 y 1914, tuvo tiempo de estudiar durante algunos meses en la Escuela de Artes Decorativas y Aplicadas de Hanover antes de ser reclutado. Fue prisionero de guerra en un campo de internamiento inglés, pero regresó a su hogar en noviembre de 1919.

"Es ist Winter / Es invierno / It is Winter", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 44 x 58 cm., 1928
Museum Nienburg (Alemania / Germany). Wikimedia Commons

Una vez más, pasó algunos meses en la Escuela de Artes Decorativas y Aplicadas de Hanover en 1920, en la clase impartida por Burger-Mühlfeld, donde conoció a Grethe Jürgens y su círculo. Ernst Thoms, sin embargo, fue básicamente un autodidacta. Sus géneros preferidos fueron los paisajes, naturalezas muertas y retratos.
Durante la inflación galopante de la década de 1920, Ernst Thoms se vio obligado a ganarse la vida como pintor de casas, pero en 1924-25 también pintó anuncios y escenarios. En ese momento Schwitters y Vordemberg-Gildewart también estaban activos en Hannover, donde su trabajo era muy respetado. Mientras que el realismo del tipo practicado por el "Nuevo Grupo de Objetividad" fue considerado como un anacronismo, Ernst Thoms fue el único defensor de este estilo para que fuera reconocido en la década de 1920.

"Selbstbildnis / Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 29,4 x 25,5 cm., 1932
Colección privada / Private CollectionWikimedia Commons

Tuvo su primera muestra en 1926 en la Kestner-Gesellschaft, en Hannover, y el Museo Provincial compró su pintura "Dachboden / Ático". Posteriormente se unió al "Deutscher Künstlerbund" y la "Secesión de Hannover". Mostró su obra en exposiciones en Ámsterdam, Estocolmo y las mayores ciudades alemanas, así como en la Galería Neumann-Nierendorf en Berlín, la Secesión de Hamburgo y la Kestner-Gesellschaft en 1928, 1931 y 1932.

"Bildnis der Mutter / Retrato de su madre / Portrait of his Mother"
Óleo sobre madera contrachapada / oil on plywood,  46 x 34,5 cm., 1928. Wikipedia

Fue galardonado con Mención de Honor en 1930 por el Ministerio de Cultura de Prusia por su "Bildnis der Mutter / Retrato de su madre". Participó en la Bienal de Venecia de 1934 y se casó con Grete Giesemann ese mismo año. En 1937 los nacionalsocialistas confiscaron los cuadros de Ernst Thoms que colgaban en los museos alemanes.
En 1939-40, Thoms fue nuevamente reclutado. Cuando su estudio y su piso fueron destruidos en un bombardeo en 1943, todas las obras que conservaba en su colección particular fueron destruidas. Sin embargo continuó pintando después de finalizar la guerra. En 1950 regresó a Hannover. El Hanover Kunstverein montó una retrospectiva del trabajo de Ernst Thoms con motivo de su sexagésimo cumpleaños.

"Dachboden / Ático / Attic", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88 x 99,5 cm., 1926
Sprengel Museum (Hannover, Alemania / Germany). Wikimedia Commons

En 1964 fue condecorado con la Gran Cruz del Servicio de la Orden de Baja Sajonia. Aunque continuó pintando, desde 1968 el deterioro de la vista fue un obstáculo en sus últimos años.
Ernst Thoms murió en Vietzen cerca de Nienburg en 1983. Su obra, que se mantuvo cerca de la Nueva Objetividad, siempre ha sido apreciada y aclamada.

"Hiddensee / Lago oculto / Hidden Lake", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 1937
Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons


El 14 de Noviembre es el cumple de

John Steuart Curry, pintor estadounidense nacido en 1897 en Dunavant, Kansas.

"Ajax", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,1 × 122,6 cm., 1936-37
Smithsonian American Art Museum (Washington, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

A pesar de crecer en una granja del Medio Oeste, ambos padres de Curry tenían estudios universitarios e incluso habían visitado Europa en su luna de miel. La vida temprana de Curry consistió en cuidar a los animales en la granja, asistir a la escuela secundaria cercana y destacar en atletismo. La casa de su infancia estaba llena de reproducciones de Peter Paul Rubens y Gustave Doré, y los estilos de estos artistas jugaron un papel importante en la elaboración del estilo de John Curry.

"Cerdos matando una serpiente / Hogs Killing a Snake", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 97,3 cm., c.1930
Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Fue animado a pintar animales en la granja y a la edad de doce años tuvo su primera lección de arte. En 1916 ingresó en el Kansas City Art Institute, pero tras solo un mes se trasladó al Art Institute of Chicago, donde permaneció dos años. En 1918 asistió a Geneva College en Beaver Falls, Pennsylvania. Después de graduarse trabajó como ilustrador desde 1921 hasta 1926, año que pasó en París estudiando las obras de Gustave Courbet y Honoré Daumier, así como las técnicas de color de Tiziano y Rubens. Después de su regreso a los Estados Unidos se instaló en la ciudad de Nueva York y se casó con Clara Derrick, con quien poco después se mudó a Westport, Connecticut en 1924. Clara murió en junio de 1932 y durante los siguientes dos años Curry se dedicó a trabajar en su estudio. Viajó con el Ringling Brothers Circus y durante su tiempo con ellos creó su pintura "The Flying Cadonas". Se volvió a casar en 1934 con Kathleen Gould. El Federal Art Project se instituyó en 1934 como una forma de dar trabajo a los artistas y aliviar los efectos de la Gran Depresión.

"Campo de maíz en Kansas / Kansas Cornfield", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1933
Wichita Art Museum (Kansas, EE.UU./ USA). WikiArt

En 1936 Curry fue nombrado primer artista en residencia en el Colegio Agrícola de la Universidad de Wisconsin-Madison. Era libre de viajar por todo el estado y promover el arte en las comunidades agrícolas, proporcionando instrucción personal a los estudiantes.
En 1937 fue elegido miembro asociado de la Academia Nacional de Diseño, y se convirtió en un académico completo en 1943. Curry continuó trabajando en la Universidad de Wisconsin hasta que murió de un ataque al corazón a la edad de 48 años, en 1946.

"The Mississippi", óleo y témpera sobre panel / oil and tempera on canvas, 91,44 x 120,65 cm., 1935.
Saint Louis Art Museum (Misouri, EE.UU./ Missouri, USA)


El 15 de Noviembre es el cumple de

Michael Otto Albert Kvium, artista danés nacido en Horsens, en el este de Jutlandia, en 1955.

"La musa del pintor III / The Painter's Muse III", 2014

Ha destacado en varios campos, como la pintura, la ilustración, la escultura y diversos géneros de performance. Desde principios de la década de 1980 ha creado obras grotescas realistas, que representan el lado más oscuro de la vida.
Estudió pintura en la Real Academia Danesa de Bellas Artes con Albert Mertz y Stig Brøgger. Sus pinturas y obras gráficas a menudo se parecen a las tiras cómicas o a las extensiones de pinturas barrocas del siglo XVII. Representan los aspectos más negativos de la cultura occidental. Los motivos incluyen monstruos grotescos, mitad hombre mitad mujer, a veces se acercan a autorretratos.

"El país propio de los dioses / Gods Own Country", 150 x 150 cm., 2011

En 1981, junto con Erik A. Frandsen y Christian Lemmerz, fue uno de los cofundadores de Værkstedet Værst, un taller colaborativo para el arte escénico. Desde la década de 1980 sus obras incluyen formas similares a virus como parte de los ciclos de crecimiento. Las obras de la década de 1990 también incluyen figuras vendadas que muestran parálisis y claustrofobia, como se puede ver en Kor (1991).

"Una mentira bien vestida a simple vista III / A Naked Eye on a Welldressed Lie III", 190 x 190 cm., 2012

Exposiciones individuales en ARoS Aarhus Kunstmuseum (2006) y Ordrupgaard (2007) incluyen grandes obras que evocan relaciones con el paisaje y la naturaleza. Entre sus obras también hay videos, historietas y performances. Ha creado escenarios en colaboración con Katrine Wiedemann. Junto con Christian Lemmerz, en 2000 creó una película muda de ocho horas titulada The Wake inspirada en Finnegans Wake de James Joyce.
Las obras de Kvium están incluidas en las colecciones de muchos de los museos y galerías de Dinamarca.

Serie Payasos contemporáneos / Contemporary Clowns Series
"Retfærdigheden / Justicia / The Justice", 2017. Foto / Photo: Lars Beyer. Link


El 16 de Noviembre es el cumple de

Francis Danby, pintor irlandés de la época romántica nacido en el condado de Wexford en 1793. Sus paisajes imaginativos y dramáticos eran comparables a los de John Martin.

"El diluvio / The Deluge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 284,5 x 452,1 cm., exhibido en / exhibited 1840
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Cuando murió su padre, la familia se mudó a Dublín, donde Danby comenzó a practicar dibujo en las escuelas de la Royal Dublin Society, y bajo la dirección de un joven y errático artista llamado James Arthur O'Connor comenzó a pintar paisajes. También conoció a George Petrie.
En 1813 se fue a Londres junto con O'Connor y Petrie. Esta expedición, llevada a cabo con escasos fondos, llegó rápidamente a su fin y tuvieron que volver a casa caminando. En Bristol hicieron una pausa y Danby, descubriendo que podía obtener pequeñas sumas por sus acuarelas, permaneció allí trabajando diligentemente y enviando a las exhibiciones de Londres cuadros de importancia. Allí sus grandes pinturas al óleo atrajeron rápidamente la atención.

"Funeral de un jefe de montaña (El entierro de Alarico) / A Mountain Chieftain's Funeral (The Burial of Alaric)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34,9 x 54,9 cm., c.1848
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA)

Alrededor de 1818/19, Danby fue miembro del grupo informal de artistas que se hizo conocido como la Escuela de Bristol, participando en sus reuniones de dibujo de la tarde y haciendo excursiones de dibujo visitando el paisaje local. El grupo se había formado inicialmente alrededor de Edward Bird, y Danby eventualmente sucedería a Bird como su figura central. La pintura de género de Bird tenía un estilo naturalista y colores frescos, y su influencia se nota en el estilo de Danby.
"The Upas Tree" (1820) y "The Delivery of Israel" (1825) lo llevaron a su elección como miembro asociado de la Royal Academy. Dejó Bristol por Londres, y en 1828 exhibió su "Apertura del Sexto Sello" en la Institución Británica, recibiendo de ese cuerpo un premio de 200 guineas. Esta obra fue seguida por otras dos sobre el tema del Apocalipsis.

"Naufragio / Shipwreck", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31,8 x 40,6 cm., c.1850
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA)

En 1829 Danby dejó Londres. Durante una década vivió en el lago de Ginebra en Suiza, convirtiéndose en un bohemio con fantasías de construcción de barcos, pintando solo de vez en cuando. Regresó a Inglaterra en 1840, y ese mismo año exhibió su grande y poderosa "El diluvio"; el éxito de esa pintura, "la más grande y dramática de todas sus visiones martinescas", revitalizó su reputación y carrera. Algunas de las pinturas posteriores de Danby, como "El Himno al Sol Naciente de la ninfa de los bosques" (1845), tendían a un estilo más tranquilo, más moderado y más alegre que las obras anteriores, pero regresó a sus formas iniciales cuando pintó "El naufragio" (1859).
Murió en 1861.

"Vista de un lago noruego antes que el sol haya disipado las nieblas matinales /
View of a Norwegian Lake before the Sun Has Dissipated the Early Morning Mist"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43,1 x 61,3 cm., 1833. ArtUK
The Fitzwilliam Museum (Cambridge, Reino Unido / UK)


El 17 de Noviembre es el cumple de

Mato Celestin Medović, pintor croata nacido en 1857 en Kuna en la península de Pelješac. Conocido por sus grandes pinturas que representan escenas históricas, y su serie de coloridos paisajes y marinas de su Dalmacia natal, es uno de los primeros pintores modernos croatas.

"Zaruke hrvatskog kralja Zvonimira / Desposorio del rey croata Zvonimir /
Engagement of Croatian King Zvonimir", antes de / before 1920. Valentino's Blog
https://tinoradman.wordpress.com/2012/01/10/retrospective-exhibition-by-mato-celestin-medovic/

En su juventud fue educado para convertirse en sacerdote en el Seminario franciscano de Dubrovnik, y fue ordenado en 1874, tomando el nombre de Celestin. Recibió su primera formación artística en Italia y estudió en la Academia de Bellas Artes de Munich, donde comenzó a pintar impresiones artísticas de eventos históricos. Después de la graduación, decidió abandonar la iglesia y seguir su carrera de pintura. Más tarde se mudó a Zagreb y se unió a un grupo de artistas dirigido por Vlaho Bukovac, un pintor de renombre. Desde 1901 comenzó a pasar cada vez más tiempo en su natal Pelješac, en el sur de Croacia, pintando naturaleza, naturalezas muertas, marinas y paisajes en un estilo marcado por el uso del color, la luz y las sombras.

"Splitski crkveni sabor 925 / La asamblea de la iglesia en Split en 925 /
The Church Assembly in Split in 925", antes de / before 1920. Valentino's Blog
Hrvatskom institutu za povijest u Zagrebu / Instituto Croata de Historia en Zagreb

El tiempo de Medović en Italia no dejó una impresión duradera de su trabajo. Sus años en la Academia de Arte de Munich (1888-1893) fueron más formativos. Allí adoptó el estilo y los colores neutros típicos de finales del siglo XIX. Durante su tiempo en Zagreb (1895-1907) gradualmente absorbió algunas de las técnicas de Bukovac y colores más brillantes en su propia personalidad artística. Sus grandes composiciones históricas demuestran el ojo de Medović para los detalles y su hábil interpretación de los temas. Los retratos de esta época incluyen el expresivo "San Francisco" y algunos dibujos y pinturas de la gente de Zagreb.

"Bonaca / Calma / Calm", 1912-14. Valentino's Blog

"Bodegón con uvas / Still Life with Grapes". Valentino's Blog

El trabajo de Medović en la península de Pelješac marcó un cambio completo en la técnica y los temas. Pintó naturalezas muertas, marinas y paisajes, que eran nuevos géneros en el arte croata en ese momento. Su paleta se volvió más y más brillante mientras trabajaba al aire libre. Abandonando su estilo previamente detallado, sus estudios más pequeños de la naturaleza son más creativos. Con gruesos empastes y pinceladas impulsivas, alrededor de 1907 surgió un nuevo estilo en su trabajo: el puntillismo en colores claros y brillantes, que utilizó para sus paisajes de Pelješac. Inicialmente (1908-1912), estos fueron trazos disciplinados en lienzos más grandes, pero en los posteriores (1914-1918), pinturas más pequeñas con motivos capturados impresionistamente, los trazos se volvieron más suaves y los colores difusos. Fue uno de los primeros artistas croatas en pintar los paisajes costeros, y su obra dominó después del cambio de siglo.

"Retrato de un anciano / Portrait of an Old Man", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 × 31 cm., 1890
Museum of Modern Art (Dubrovnik, Croacia / Croatia). Artsy

Medović era un artista versátil, entre la primera generación de pintores croatas modernos. Fue el líder en pinturas históricas y religiosas (desde imágenes íntimas de santos hasta retablos). Pintó algunos finos retratos, y fue el único artista croata en este período que pintó naturalezas muertas. Sin embargo, su mayor contribución a la pintura croata es su serie de paisajes, llenos de luz brillante del sur y colores vigorosos.
Murió en 1920.

"Paisaje con brezos / Landscape with Heath"
Óleo sobre papel / oil on paper, 26 × 35,5 cm., 1914
Museum of Modern Art (Dubrovnik, Croacia / Croatia). Artsy


Hoy, 18 de Noviembre, es el cumple de

Corneliu Baba, pintor rumano, principalmente retratista, pero también conocido como pintor de género e ilustrador de libros, nacido en Craiova en 1906.

"Jucătorul de şah / El jugador de ajedrez / The Chess Player"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100,8 x 93 cm., 1948
Museo Nacional de Arte, Galería de Arte Moderno (Bucarest, Rumania / Bucharest, Romania)

Habiendo estudiado primero con su padre, el pintor académico Gheorghe Baba, estudió brevemente en la Facultad de Bellas Artes de Bucarest, pero no recibió un título. Su primera exposición pública fue en 1934 en la ciudad balneario de Băile Herculane; esto lo llevó a estudiar más tarde ese año con Nicolae Tonitza en Iaşi, y finalmente recibió un diploma en Bellas Artes de la facultad de Iaşi en 1938, donde fue nombrado asistente de la Cátedra de Pintura en 1939 y profesor de Pintura en 1946.
Poco después de su debut oficial en 1948 con una pintura llamada "El jugador de ajedrez" en el Art Salon de Bucarest, fue arrestado y brevemente encarcelado en la prisión de Galata en Iaşi. Al año siguiente fue suspendido sin explicación de su puesto de docente y se mudó de Iaşi a Bucarest.

"Maternidad / Maternity", 1979. Wikiart

A pesar de una relación inicial incómoda con las autoridades comunistas que lo denunciaron como formalista, Baba pronto se estableció como ilustrador y artista. En 1955 se le permitió viajar a la Unión Soviética, y ganó una Medalla de Oro en una exposición internacional en Varsovia, Polonia. En 1956 acompañó a "El jugador de ajedrez" y otras dos pinturas que se mostraron en la Bienal de Venecia, después de lo cual las pinturas viajaron a exposiciones en Moscú, Leningrado y Praga.
En 1958 fue nombrado profesor de pintura en el Instituto de Bellas Artes Nicolae Grigorescu de Bucarest, donde Niculiţă Secrieriu y Ştefan Câlţia se encontraban entre sus alumnos. El mismo año recibió el título de Maestro Emérito de Arte. En este momento sus problemas anteriores con las autoridades comunistas parecieron haberse suavizado.

"Compañeros ciudadanos / Fellow Citizens", 1974. Wikiart

En la década siguiente, tanto él como sus pinturas viajaron por el mundo, participando en exposiciones en lugares tan diversos como El Cairo, Helsinki, Viena y Nueva Delhi, y culminaron en una exposición individual de 1964 en Bruselas. En 1962 el gobierno rumano le dio el título de Artista del Pueblo. En 1963 fue nombrado miembro correspondiente de la Academia rumana, y en 1964 fue igualmente honrado por la Academia de Bellas Artes de Berlín Oriental.
Los honores y exposiciones continuaron acumulándose, desde una exposición individual de 1970 en la ciudad de Nueva York hasta la recepción de la condecoración de la Estrella Roja en 1971. Si bien su nombre se convirtió en una palabra común en Rumania y, en menor medida, en todo el bloque del Este, nunca alcanzó una fama comparable en Occidente.

"Naturaleza muerta / Still Life", 1979. Pinterest

En 1988, Baba fue gravemente herido por un accidente en su estudio, y quedó inmovilizado durante varios meses. En 1990, después de la Revolución rumana, fue elevado a la membresía titular en la Academia rumana. Poco antes de su muerte en 1997, Baba publicó su libro de memorias "Notas de un artista de Europa del Este". Recibió póstumamente con el Premio a la Excelencia de la Fundación Cultural Rumana.

"Curtezană / Cortesana / Courtesan", óleo sobre lienzo pegado sobre cartón /
oil on canvas pasted on cardboard, 41,5 x 38 cm., 1983. Mutualart


Textos en inglés / English translation

On November 12 is the birthday of

Laurin McCracken, American watercolor painter born in 1942 in Meridian, Mississippi, known for his photorealistic still lifes, florals, landscapes and other subjects.
McCracken earned a B.A. in Art and Architecture from Rice University. He also graduated from Princeton University with a Master's in Architecture and Urban Planning. For forty years, McCracken worked as an architect and the head of marketing for several of the nation's leading architectural and engineering firms. McCracken took his first watercolor classes in 1999 with Gwen Bragg at The Art League in Alexandria, Virginia. He also studied under Alain Gavin, a professor at The Art Institute of Chicago.
McCracken retired and began painting full-time. He lives and works in Fort Worth, Texas.

On November 13 is the birthday of

Ernst Thoms, German painter, born in 1896 in Nienburg/Weser.
After serving a painter's apprenticeship between 1911 and 1914, he had time to study for a few months at the Hanover School for the Decorative and Applied Arts before being conscripted. Ernst Thoms was a prisoner of war in an English internment camp but returned home in November 1919. 
He once again spent some months at the Hanover School for the Decorative and Applied Arts in 1920 in the class taught by Burger-Mühlfeld, where he was introduced to Grethe Jürgens and her circle. Ernst Thoms, however, remained for the most part self-taught. His genres of choice were landscapes, still lifes and portraits.
During the galloping inflation of the early 1920s, Ernst Thoms was forced to eke out a living as a house painter but in 1924-25 he also painted advertisements and stage-sets. At that time Schwitters and Vordemberg-Gildewart were also active in Hannover, where their work was highly respected. Whereas the realism of the sort practised by the "New Objectivity Group" was regarded as an anachronism, Ernst Thoms was the only advocate of this style to achieve recognition by the 1920s.
He had his first show in 1926 at the Kestner-Gesellschaft in Hannover and the Provinzialmuseum bought his painting "Dachboden / Attic". Ernst Thoms subsequently joined the "Deutscher Künstlerbund" and the "Hanover Secession". He showed work at exhibitions in Amsterdam, Stockholm and most larger German cities as well as at the Neumann-Nierendorf Gallery in Berlin, the Hamburg Secession and the Kestner-Gesellschaft in 1928, 1931 and 1932. 
Ernst Thoms was awarded Honorable Mention in 1930 by the Prussian Ministry of Culture for his "Bildnis der Mutter" ["Portrait of His Mother"]. Thoms took part in the 1934 Venice Biennale and married Grete Giesemann that same year. In 1937 the National Socialists confiscated the pictures by Ernst Thoms that hung in German museums.
In 1939-40 Thoms was again conscripted. When his studio and his flat were gutted in a bombing raid in 1943, all the pictures of his that were his personal possessions were destroyed. Nevertheless Thoms continued to paint after the war ended. In 1950 he returned to Hanover. The Hanover Kunstverein mounted a retrospective of Ernst Thoms's work on the occasion of his sixtieth birthday. 
In 1964 Thoms was decorated with the Grand Service Cross of the Order of Lower Saxony. From 1968 deteriorating eyesight was a handicap for Ernst Thoms in his last years although he continued to paint. 
Ernst Thoms died in Vietzen near Nienburg in 1983. His work, which remained close to New Objectivity, has always been appreciated and acclaimed.

On November 14 is the birthday of

John Steuart Curry, American painter born in 1897 in Dunavant, Kansas.
Despite growing up on a Midwestern farm, both of Curry's parents were college educated and had even visited Europe for their honeymoon. Curry's early life consisted of caring for the animals on the farm, attending the nearby high school and excelling in athletics. His childhood home was filled with many reproductions of Peter Paul Rubens and Gustave Doré, and these artists' styles played a significant role in crafting John Curry's own style.
Curry was encouraged to paint animals around the farm and at the age of twelve he had his first art lesson. In 1916 John entered the Kansas City Art Institute, but after only a month there he transferred to the Art Institute of Chicago, where he stayed for two years. In 1918 he attended Geneva College in Beaver Falls, Pennsylvania. After he graduated, Curry worked as an illustrator from 1921 to 1926.
In 1926 Curry spent a year in Paris studying the works of Gustave Courbet, and Honoré Daumier as well as the color techniques of Titian and Rubens. After his return to the United States he settled in New York City and married Clara Derrick, shortly thereafter they moved to Westport, Connecticut in 1924. Clara died in June 1932 and for the next two years Curry devoted his time to working in his studio. He traveled with the Ringling Brothers Circus and during his time with them created his painting The Flying Cadonas. He remarried in 1934 to Kathleen Gould. The Federal Art Project was instituted in 1934 as a way to give work to artists and alleviate the effects of the Great Depression.
In 1936, Curry was appointed as the first artist-in-residence at the Agricultural College of the University of Wisconsin–Madison. He was free to travel throughout the state and promote art in farming communities by providing personal instruction to students.
In 1937, he was elected into the National Academy of Design as an Associate member, and became a full Academician in 1943. Curry continued to work at the University of Wisconsin until he died of a heart attack at the age of 48, in 1946.

On November 15 is the birthday of

Michael Otto Albert Kvium, Danish artist born in Horsens in the east of Jutland, in 1955.
He has excelled in a number of fields such as painting, illustrating, sculpting and various performance genres. Since the early 1980s, he has created grotesque realistic works, depicting the darker side of life.
He studied painting at the Royal Danish Academy of Fine Arts under Albert Mertz and Stig Brøgger. His paintings and graphic works often resemble comic strip art or extensions of 17th-century Baroque paintings. They depict the more negative aspects of Western culture. Motifs include grotesque monsters, half man half woman, sometimes approaching self-portraits. In 1981, together with Erik A. Frandsen and Christian Lemmerz, he was one of the cofounders of Værkstedet Værst, a collaborative workshop for performance art. From the 1980s, his works include virus-like shapes as part of the growth cycles. Works from the 1990s also include bandaged figures depicting paralysis and claustrophobia as can be seen in Kor (1991). Solo exhibitions at ARoS Aarhus Kunstmuseum (2006) and Ordrupgaard (2007) have included large works evoking relationships with the landscape and nature. His works also include videos, comic strips and performances. He has created stage sets in collaboration with Katrine Wiedemann. Together with Christian Lemmerz, in 2000 he created an eight-hour-long silent film titled The Wake inspired by James Joyce's Finnegans Wake.
Kvium's works are included in the collections of many of Denmark's museums and galleries.

On November 16 is the birthday of

Francis Danby, Irish painter of the Romantic era born in County Wexford in 1793. His imaginative, dramatic landscapes were comparable to those of John Martin.
When his father died, the family moved to Dublin where he began to practice drawing at the Royal Dublin Society's schools; and under an erratic young artist named James Arthur O'Connor he began painting landscapes. Danby also made acquaintance with George Petrie.
In 1813 Danby left for London together with O'Connor and Petrie. This expedition, undertaken with very inadequate funds, quickly came to an end, and they had to get home again by walking. At Bristol they made a pause, and Danby, finding he could get trifling sums for water-color drawings, remained there working diligently and sending to the London exhibitions pictures of importance. There his large oil paintings quickly attracted attention.
From around 1818/19, Danby was a member of the informal group of artists which has become known as the Bristol School, taking part in their evening sketching meetings and sketching excursions visiting local scenery. The group had initially formed around Edward Bird, and Danby would eventually succeed Bird as its central figure. Bird's genre painting had a naturalistic style and fresh colours, and his influence has been seen on Danby's style.
The Upas Tree (1820) and The Delivery of Israel (1825) brought him his election as an Associate Member of the Royal Academy. He left Bristol for London, and in 1828 exhibited his Opening of the Sixth Seal at the British Institution, receiving from that body a prize of 200 guineas; and this picture was followed by two others on the theme of the Apocalypse.
In 1829 Danby left London.  For a decade he lived on the Lake of Geneva in Switzerland, becoming a Bohemian with boat-building fancies, painting only now and then. He returned to England in 1840, and that same year exhibited his large and powerful The Deluge; the success of that painting, "the largest and most dramatic of all his Martinesque visions," revitalised his reputation and career. Some of Danby's later paintings, like The Woodnymph's Hymn to the Rising Sun (1845), tended toward a calmer, more restrained, more cheerful manner than those in his earlier style; but he returned to his early mode for The Shipwreck (1859).
He died in 1861.

On November 17 is the birthday of

Mato Celestin Medović, Croatian painter born in 1857 in Kuna on the Pelješac peninsula. Best known for his large paintings depicting historical scenes, and his series of colourful landscapes and seascapes of his native Dalmatia, Medović is one of the earliest modern Croatian painters.
In his youth Medović was schooled to become a priest in the Franciscan Seminary in Dubrovnik, and was ordained in 1874, taking the name of Celestin. He received his first art training in Italy, and went on to study at the Academy of Fine Arts in Munich, where he began painting artistic impressions of historical events. Following graduation he decided to leave the church and pursue his painting career. Medović then moved to Zagreb and joined a group of artists led by Vlaho Bukovac, a renowned painter. Since 1901 Medović increasingly began to spend time on his native Pelješac in southern Croatia, painting nature, still lifes, seascapes and landscapes in a style marked by his use of colour and light shadows.
Medović's time in Italy did not leave a lasting impression his work. His years spent at the Academy of Art in Munich (1888–1893) were more formative. There he adopted the style and neutral colors typical of the late 19th century. During his time in Zagreb (1895–1907), Medović gradually absorbed some of Bukovac's techniques and brighter colours into his own artistic personality. His large historical compositions demonstrate Medović's eye for detail and his skillful interpretation of the subject. Portraits from this time include the expressive "St. Francis", and some drawings and paintings of the people of Zagreb.
Medović's work on the Pelješac peninsula marked a complete departure in technique and themes. He painted still lifes, seascapes, and landscapes, which were new genres in Croatian art at the time. His palette became lighter and brighter as he worked outdoors. Abandoning his previously detailed style, his smaller studies from nature are more creative. With thick impasto and impulsive brush strokes, around 1907 a new style emerged in his work – pointillism in a light, bright colours, that he used for his landscapes of Pelješac. Initially (1908–1912), these were disciplined strokes on larger canvases, but in his later (1914–1918), smaller paintings with impressionistically captured motifs, the strokes became softer and more diffuse colours. He was one of the first Croatian artists to paint the coastal landscapes, and it dominated his work after the turn of the century.
Medović was a versatile artist, among the first generation of modern Croatian painters. He was the leader in historical and religious paintings (from intimate images of saints to altarpieces). He painted some fine portraits, and was the only Croatian artist in this period painting still lifes. However, his major contribution to Croatian painting is his series of landscapes, full of bright southern light and vigorous colours.
He died in 1920.

Today, November 18, is the birthday of

Corneliu Baba, Romanian painter, primarily a portraitist, but also known as a genre painter and an illustrator of books, born in Craiova in 1906.
Having first studied under his father, the academic painter Gheorghe Baba, Baba studied briefly at the Faculty of Fine Arts in Bucharest, but did not receive a degree. His first public exhibition was in 1934 in the spa town of Băile Herculane; this led to his studying later that year under Nicolae Tonitza in Iaşi, finally receiving a diploma in Fine Arts from the faculty at Iaşi in 1938, where he was named assistant to the Chair of Painting in 1939 and a Professor of Painting in 1946.
Shortly after his 1948 official debut with a painting called The Chess Player at the Art Salon in Bucharest, he was arrested and briefly imprisoned in Galata Prison in Iaşi. The following year he was suspended without explanation from his faculty position and moved from Iaşi to Bucharest.
Despite an initially uneasy relationship with communist authorities who denounced him as formalist, Baba soon established himself as an illustrator and artist. In 1955 he was allowed to travel to the Soviet Union, and won a Gold Medal in an international exhibition in Warsaw, Poland. In 1956, Baba accompanied The Chess Player and two other paintings showed at the Venice Biennale, after which the paintings traveled on to exhibits in Moscow, Leningrad, and Prague.
In 1958 Baba was appointed Professor of Painting at the Nicolae Grigorescu Institute of Fine Arts in Bucharest, where Niculiţă Secrieriu and Ștefan Câlția were among his pupils. The same year he received the title of Emeritus Master of Art. By this time, his earlier problems with the communist authorities appear to have been smoothed over. In the next decade, both he and his paintings were to travel the world, participating in exhibitions in places as diverse as Cairo, Helsinki, Vienna, and New Delhi, culminating in a 1964 solo exhibition in Brussels. In 1962, the Romanian government gave him the title of People's Artist; in 1963 he was appointed a corresponding member of the Romanian Academy, and in 1964 was similarly honored by the East Berlin Academy of Fine Art.
Honors and exhibitions continued to accumulate, ranging from a 1970 solo exhibition in New York City to the receipt of a Red Star decoration in 1971. While his name became a household word in Romania and, to a lesser extent, throughout the Eastern bloc, he never achieved comparable fame in the West.
In 1988, Baba was seriously injured by an accident in his studio, and was immobilized for several months. In 1990, following the Romanian Revolution, he was elevated to titular membership in the Romanian Academy. Shortly before his death in 1997, Baba published his memoir, Notes by an Artist of Eastern Europe. He was posthumously awarded the Prize for Excellence by the Romanian Cultural Foundation.

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