miércoles, 23 de mayo de 2018

Bart Heijlen [Pintura, Dibujo / Painting, Drawing]

Bart Heijlen


Bart Heijlen es un pintor contemporáneo nacido en un pequeño pueblo de Flandes, en el noreste de Bélgica, con un gran gusto por la figura humana. Él recicla la pintura tradicional, sin ningún tipo de nostalgia por el pasado, y le gusta dar un giro a la historia. Sus figuras, ligeramente grotescas pero también reconocibles y confrontables, a menudo parecen ser arrojadas en un túnel del tiempo. En su obra intenta comprender lo absurdo de nuestra existencia y, como belga, nunca falta un toque de surrealismo. En esta zona crepuscular busca belleza, consuelo, paz mental ... y una manera de burlarse de todos nosotros, desdichados.

"La niña de papá / Daddy's Girl", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 160 cm. © Bart Heijlen

"Nacido para ser salvaje / Born to be Wild", carboncillo / charcoal, 61 x 85 cm. © Bart Heijlen

"En sus dibujos y pinturas, disecciona y representa con feroz lucidez una procesión interminable de personajes de todo tipo que se mueven y luchan en esta gigantesca comedia loca y delirante que es la Vida: los humildes, los bufones, los reyes, obreros, ministros, religiosos, enamorados angustiados, refugiados, maltratados por la vida... Trata de captar el absurdo del comportamiento humano, destacando nuestro camino y nuestras andanzas, nuestro egoismo y nuestro pensamiento estrecho, nuestra indiferencia, nuestra cobardía, nuestra desesperación y nuestro sufrimiento..." [Virginie Borace]

"Il pensatore / El pensador / The Thinker", carboncillo / charcoal, 63 x 80 cm. © Bart Heijlen

"Bart Heijlen define su vida como artista como una experiencia de soledad profunda pero necesaria. Mientras que muchos artistas están constantemente rodeados de modelos, asistentes o agentes, él no puede imaginar pintar en presencia de otra persona. Crecer con trece hermanos y hermanas sin duda ha influido profundamente en su relación con la soledad. Paradójicamente, siente la necesidad visceral de estar permanentemente rodeado de sus obras para conseguir trabajar eficazmente. Por lo tanto, a pesar del olor persistente de la trementina, hace mucho tiempo que hizo un punto y aparte, y decidió vivir en su estudio." [Virginie Borace]

"Vauban, los primeros años / The Early Years", óleo sobre tabla / oil on wood, 122 x 163 cm. © Bart Heijlen

"Me temo que no puedo explicarme a mí mismo. Porque no soy yo mismo lo que tú ves (1 y 2) / 
I can't explain myself, I'm afraid. Because I'm not myself you see (1 & 2)"
Carboncillo / charcoal, 51 x 83 cm. © Bart Heijlen

«Nací en 1966 en Flandes, el más joven de una familia con catorce hijos, y el único de ellos artista. Mi madre pensaba que un artista no podía vivir de su arte, tan sólo con unos ratones en el armario. Tuve sin embargo tíos que eran pintores. Uno en particular, el único artista de verdad en la familia, retratista. Yo pasaba todo el tiempo con él. Él me inició en la lectura de libros de historia, y yo quería estudiar arqueología. Nosotros no teníamos la posibilidad de viajar, y los libros me permitían hacerlo. Ese tío me dio unos carboncillos. Yo dibujaba cualquier cosa. Mi abuelo fue pintor "comercial", con una cuadrería. Yo trabajé para la empresa familiar realizando decoraciones murales, trabajando con pan de oro.
Ya de adulto pude viajar a Grecia, y ver esa cultura antigua. Era la primera vez en mi vida que dejaba Bélgica, descubriendo otro país, otra cultura. A mi regreso decidí ser autónomo, ganándome le vida con el falso mármol, estudiando la historia del arte por mi cuenta, y reservando la mayor parte de mi tiempo para mi propia obra.»

"Retrato / Portrait", carboncillo / charcoal, 68 x 72 cm. © Bart Heijlen

"Eros y Tánatos / Eros & Thanatos", óleo sobre tabla / oil on wood, 57 x 70 cm. © Bart Heijlen

Eros y Tánatos. Es un tema artístico bien conocido. Las pulsiones de la vida y la destrucción están presentes y son indisociables en cada individuo. Él ha intentado presentárnoslas no como opuestos, sino como aliados. Ser conscientes de que todo tiene un final debería hacernos vivir más intensamente.

Eros & Thanatos It is a well-known artistic theme. The drives of life and destruction are present and inseparable in each individual. He has tried to present them to us not as opposites, but as allies. To be aware that everything has an end should make us live more intensely

"Hércules se da cuenta finalmente de que los dioses lo jodieron /
Hercule Finally Realised he got Fucked by the Gods", carboncillo / charcoal, 67 x 105 cm. © Bart Heijlen

«Amo sobre todo a los artistas del Renacimiento y los flamencos primitivos, y toda la idea del hombre universal. Yo quería ser como Miguel Ángel, corriendo por las calles de Florencia, nadando por el Arno, y trabajando para Lorenzo el Magnífico. Incluso aunque me gusten Freud o Bacon, realmente no tengo una visión precisa para los artistas actuales y en verdad no me importan los grandes contemporáneos institucionalizados.»

«Me encanta esculpir, así como dibujar y leer poesía. Yo no puedo escoger entre pintura y dibujo; cuando pinto quiero dibujar, y cuando dibujo quiero pintar. Es el tema lo que hace la diferencia entre pintura y dibujo. 
Puede ser más rápido expresarse a través del dibujo, con más detalle. A veces hago un dibujo que luego se transforma en pintura. Pero también puedo crear un dibujo a partir de una pintura. Necesito mucho tiempo y tengo celos de la velocidad de los caricaturistas.»

"Curator animarum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 150 cm. © Bart Heijlen

"Curator animarum", carboncillo / charcoal, 69 x 87 cm. © Bart Heijlen

«Amo los colores. Ellos crean un clima particular, ausente en los dibujos. Inconscientemente, escojo los colores que viven en mí, con una predilección por el rojo. Yo no pienso si el rojo está ligado con la sangre, o la energía, u otra cosa. Está ahí. Escojo el rojo, como podría escoger cualquier otro para agregar intensidad. Esta elección es natural, no intelectual.
Amo mucho el carboncillo, ligado a mis inicios en la creación. Mis dibujos muestran a los seres solos (es su destino) o en grupo. Llegando al mundo, o dejando el mundo. Dibujo a niños, viejos, gentes que pasan. Si dibujo una persona, está sola, aún entre otros, y esta persona dibujada está aún más sola.»

«El humor es la manera más bella de criticar cualquier cosa. Permite luchar rápidamente contra toda tristeza, que uno debe abordar con colores brillantes, como contrapunto, para estar en el movimiento de la vida. El humor me protege y permite, cuando mis pinturas son íntimas, no mostrarme demasiado ...»

"La princesa del parche / The Patch Up Princess", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 200 cm. © Bart Heijlen

"El jardín de las delicias / The Garden of Delights", carboncillo / charcoal, 50 x 104 cm. © Bart Heijlen

«Por lo general, intento dibujar una escena de la vida cotidiana para hacerla más visible. Hay un lado felliniano, incluso medieval, que asume una cierta crítica de la forma de vida actual. "El jardín de las delicias" sigue siendo una pequeña burla para nosotros, los humanos, incapaces de regocijarnos verdaderamente en la vida, en la abundancia, sin alegría ni conversaciones interesantes. Este dibujo podría ser un poco moralista. Aunque yo podría estar sentado entre ellos. Y todo eso suena delicioso ...»

«Usually, I try to draw a scene from everyday life to make it more visible. There is a Fellinian side, even medieval, that assumes a certain critique of the current way of life. "The garden of delights" is still a small mockery for us, humans, unable to truly rejoice in life, in abundance, without joy or interesting conversations. This drawing could be a bit moralistic. Although I could be sitting between them. And all that sounds delicious ...»

Captura del video que puede verse más abajo / Still of the video you can see below

Bart Heijlen is a Flemish contemporary painter born in a small town in Flanders, in the northeast of Belgium, with a great liking for the human figure. He recycles traditional painting without any nostalgia for the past whatsoever and likes to give a twist to history. His figures, slightly grotesque but also recognizable and confronting, often seem to be thrown in a time warp. In his work he seeks to grasp the absurdity of our existance and, being a belgian, a touch of surrealism is never far away. In this twilight zone he looks for beauty, consolation, peace of mind..... and a way to make a mockery of all of us magnificent wretches.

Izq./ Left: "Siempre trabajando y nada de diversión hacen que Jack sea un tío aburrido /
All work and no play makes jack a dull chap", carboncillo / charcoal, 40 x 56 cm.
Der./ RightDer./ Right: "Ecco un tipo semplice / Aquí hay un tipo simple /
Here is a Simple Guy", 50 x 60 cm., 2006 © Bart Heijlen

Ecco un tipo semplice, per niente speciale.
Un po' idiota, con aspetto banale.
Che a causa dei complimenti lusinghieri di essa,
si inventa di essere una bella principessa.
Ha bisogno un calcio in culo reale.

Aquí hay un tipo simple, para nada especial.
Un pequeño idiota, con apariencia banal.
Que debido a los elogios que halagan su cabeza,
se inventa ser una hermosa princesa.
Necesita una patada en su culo real.

Here is a simple guy, not at all special.
A little idiot, with an appearance banal.
That because of the flattering compliments,
he invents to be a beautiful princess.
He needs a kick in the ass so real."

"Dulce transitoriedad 5 / Sweet Transiency 5", óleo sobre tabla / oil on wood, 32 x 32 cm. © Bart Heijlen

"In his drawings and paintings, he dissects and depicts with ferocious lucidity an interminable procession of characters of all kinds who move and struggle in this gigantic comedy crazy and delirious that is the Life: the humble, the jesters, the kings, workers, ministers, religious, the amorous distraught, refugees, battered by life ... He tries to capture the absurdity of human behavior, highlighting our path and wanderings, our selfish behavior and our narrow thinking, our indifference, our cowardice, our despair and our suffering ...." [Virginie Borace]

"Déjalo crecer / Let it Grow", carboncillo y lápiz / charcoal and pencil, 60 x 80 cm. © Bart Heijlen

"Bart Heijlen defines his life as an artist as an experience of profound but necessary loneliness. While many artists are constantly surrounded by models, assistants or agents, he can not imagine painting in the presence of someone else. Growing up with thirteen brothers and sisters has undoubtedly profoundly influenced his relationship to loneliness. Paradoxically, he feels the visceral need to be permanently surrounded by his works to succeed in working effectively. So, despite the stubborn smell of turpentine, he has long since made a point and has decided to live in his studio." [Virginie Borace]

"Leo Flandricus", óleo sobre tabla / oil on wood, 118 x 220 cm. © Bart Heijlen
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El Infierno de Dante / Dante's Inferno

Se puede ver como un proyecto ambicioso, un resumen recordatorio del "Infierno" de Dante. Una buena dosis de humor puede ayudar, y Bart Heijlen la tiene en su obra. Sus 30 dibujos sobre el Infierno no son una transcripción de la visión de Dante, sino más bien una adaptación moderna.
Dante (el hombre mayor, proyección del propio artista) regresa a la tierra para informar a su sobrino (el joven adolescente en los dibujos) de los peligros de los pecados terrenales, aunque aprovecha la oportunidad para ocuparse de probar estos pecados terrenales. Una deliciosa parodia en 30 escenas. (La serie completa aquí)

It can be seen as an ambitious project, to briefly remind Dante's 'Inferno'. A healthy dose of humor can certainly help, and Bart Heijlen has that in his work. His 30 drawings on the Inferno are not a transcription of Dante's vision, it is rather a modern adaptation.
Dante (the older man, projection of the artist himself) returns to earth to inform his nephew (the young adolescent in the drawings) of the dangers of earthly sins, though he uses the opportunity to take care of these earthly sins to taste. A delicious parody in 30 scenes. (Full series here)

El Infierno de Dante / Dante's Inferno
I: "Materniteit / Maternidad / Maternity", carboncillo / charcoal, 40 x 45 cm., 2008 © Bart Heijlen

El Infierno de Dante / Dante's Inferno
VIII: "Gelovigen / Creyentes / Believers", carboncillo / charcoal, 40 x 45 cm., 2008 © Bart Heijlen

«I was born in 1966 in Flanders, the youngest of a family of fourteen children, and the only one of them an artist. My mother thought that an artist could not live on his art, just with mice in the closet. I had however uncles who were painters. One in particular, the only real artist in the family, portrait artist. I spent all the time with him. He started me reading history books, and I wanted to study archeology. We did not have the possibility of traveling, and the books allowed me to do so. That guy gave me some charcoals. I drew anything. My grandfather was a "commercial" painter, with a framing company. I worked for the family company making mural decorations, working with gold leaf.
As an adult I was able to travel to Greece, and see that ancient culture. It was the first time in my life that I left Belgium, discovering another country, another culture. Upon my return I decided to be autonomous, earning my life with false marble, studying the history of art on my own, and reserving most of my time for my own work.»

El Infierno de Dante / Dante's Inferno
XI: "Vraatzuchtigen / Voraces / Voracious", carboncillo / charcoal, 40 x 45 cm., 2008 © Bart Heijlen

El Infierno de Dante / Dante's Inferno
XII: "Gierigaards en verspillers / Avaros y derrochadores / Scrooge and Wasters"
Carboncillo / charcoal, 40 x 45 cm., 2008 © Bart Heijlen

«I love mainly the artists of the Renaissance and the primitive Flemish, and the whole idea of the universal man. I wanted to be like Michelangelo, running through the streets of Florence, swimming through the Arno, and working for Lorenzo the Magnificent. Even though I like Freud or Bacon, I really do not have an accurate vision for current artists and I do not really care about the great institutionalized contemporaries.»

«I love sculpting, as well as drawing and reading poetry. I can not choose between painting and drawing; When I paint I want to draw, and when I draw I want to paint. It is the subject that makes the difference between painting and drawing.
It can be faster to express oneself through the drawing, in more detail. Sometimes I make a drawing that later becomes a painting. But I can also create a drawing from a painting. I need a lot of time and I am jealous of the speed of the cartoonists.»

El Infierno de Dante / Dante's Inferno
XIV: "Afgunstigen / Disponible / Available", carboncillo / charcoal, 40 x 45 cm., 2008 © Bart Heijlen

El Infierno de Dante / Dante's Inferno
XVI: "Toornigen / Ira / Wrath", carboncillo / charcoal, 40 x 45 cm., 2008 © Bart Heijlen

«I love colors. They create a particular climate, absent in the drawings. Unconsciously, I choose the colors that live in me, with a predilection for red. I do not think if red is linked with blood, or energy, or something else. Is there. I choose red, as I could choose any other to add intensity. This choice is natural, not intellectual.
I love charcoal a lot, linked to my beginnings in creation. My drawings show beings alone (it's their destiny) or in a group. Arriving in the world, or leaving the world. I draw children, old people, people who pass by. If I draw a person, she is alone, even among others, and this person drawn is even more alone.»

«Humor is the most beautiful way to criticize anything. It allows to fight quickly against all sadness, that one must approach with bright colors, as a counterpoint, to be in the movement of life. Humor protects me and allows me, when my paintings are intimate, not to show me too much ...»

El Infierno de Dante / Dante's Inferno
"Gewelddadigen en tirannen / Violentos y tiranos / Violent People and Tyrants"
Carboncillo / charcoal, 40 x 45 cm., 2008 © Bart Heijlen
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Fuentes / Sources:
* Website
* El Infierno de Dante, a través de la mirada de Bart Heijlen... / Dante's "Inferno" through the eyes of Bart Heijlen ...
Artículo (en holandés) de / Article (Dutch) by Frederic De Meyer. The Art Couch
* Entrevista de / Interview by Christian Noorbergen (francés / French). Artension Magazine, 3/4-2016
* B.H. El Infierno de Dante / Dante's Inferno, por / by Ludwig Trossaert. Galerie Ludwig Trossaert, 2008
* "La suavidad hace la diferencia. B.H., pintura contemporánea flamenca /
Mildness Make the Difference. B.H. Contemporary Flemish Painting"
por / by Virginie Boraca (Les Abracadabrantes), 2016

Fotografías de las obras de / Artworks photographed by Erwin Mentens

Más sobre / More about Bart Heijlen: Website

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Bart!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Bart!)



martes, 22 de mayo de 2018

Muere Bill Gold / R.I.P. Bill Gold

Muere Bill Gold a los 97 años / Bill Gold dies at age 97

William "Bill" Gold
(Brooklyn, Nueva York, EE.UU./ NYC, USA, 1921 - Greenwich, Connecticut, 2018)

Foto / Photo: El Horizonte

"Casablanca" (Michael Curtiz, 1942)

William "Bill" Gold fue un diseñador gráfico estadounidense nacido en 1921 en Brooklyn, Nueva York, conocido por sus miles de diseños de carteles de películas.
Su primer póster de película fue para Yankee Doodle Dandy (1942), y su obra final fue para J. Edgar (2011)
Durante su carrera de 70 años trabajó con algunos de los mejores cineastas de Hollywood, incluidos Laurence Olivier, Clint Eastwood, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, Elia Kazan, Ridley Scott y muchos más. Entre sus carteles de cine más famosos están los de "Casablanca" y "La naranja mecánica".
Murió el 20 de mayo.

La naranja mecánica / A Clockwork Orange (Stanley Kubrick, 1971)

Harry el Sucio / Dirty Harry (Don Siegel, 1971)

William "Bill" Gold was an American graphic designer born in 1921 in Brooklyn, NYC, best known for thousands of film poster designs.
His first film poster was for Yankee Doodle Dandy (1942), and his.final work was for J. Edgar (2011)
During his 70-year career he worked with some of Hollywood's greatest filmmakers, including Laurence Olivier, Clint Eastwood, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, Elia Kazan, Ridley Scott, and many more. Among his most famous film posters are those for Casablanca and A Clockwork Orange.
He died May 20th.

El golpe / The Sting (George Roy Hill, 1973)

El exorcista / The Exorcist (William Friedkin, 1973)
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Más información: El Periódico - More info: New York Times

lunes, 21 de mayo de 2018

Richard James Oliver [Pintura / Painting]

Según cuenta Richard James Oliver sus pinturas, independientemente del género, son como autorretratos, una expresión de su "jardín interior", intentos de transmitir todo el cúmulo de sensaciones y experiencias que fluyen a través del artista, y se plasman en imágenes muchas veces de desolación y desamparo, de una inocencia infantil asediada por situaciones difíciles, pero siempre con una luz al final del túnel.  
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

According to Richard James Oliver, his paintings, independently of the genre, are like self-portraits, an expression of his "inner garden", attempts to transmit all the accumulation of sensations and experiences that flow through the artist, and are reflected in images many times of desolation and helplessness, of a childish innocence besieged by difficult situations, but always with a light at the end of the tunnel.
Texts in English at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
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Richard James Oliver

Richard en su estudio / at his Studio

Richard James Oliver es un artista nacido en 1975 en Pontypridd, Gales, Reino Unido, que actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, California.
Estudió Bellas Artes en la Universidad del Oeste de Inglaterra y realizó su Maestría en UWIC, en Gales. En su tiempo entre estudios Oliver construyó su reputación, comenzando en Gales y luego ganando reconocimiento en todo el Reino Unido. Su obra ha sido incluida en numerosas muestras colectivas europeas, para luego pasar a las exposiciones individuales, incluida una en el prestigioso Museo de Arte Moderno de Gales.
Richard es el tecladista actual de la bada estadounidense de rock alternativo No Devotion y ex tecladista, turntablista y vocalista de la banda de rock galesa Lostprophets. [1]

"Sin límites / Limitless", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2017

"Una melodía venenosa / A Nocuous Melody", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 28" x 36", 2016

«Mi primer recuerdo de la pintura se remonta a cuando tenía unos 4 o 5 años. Recuerdo dibujar a un vaquero escuchando 'Adam and the Ants' mientras estaba en casa sin ir a la escuela por una enfermedad. (...)
El momento culminante en mi vida y carrera como artista llegó en el Foundation College, en mi adolescencia. Finalmente me apliqué a la educación académica y me incliné hacia las bellas artes y el diseño. Cuando me presionaron para decidir mi curso universitario y mi futuro, se asumió que seguiría el diseño ya que era uno de los mejores estudiantes en esa disciplina. Para horror de mi tutor de diseño, seguí mi instinto y elegí como camino las bellas artes. Como de costumbre, especialmente debido a la mentalidad de la sociedad de la clase trabajadora galesa en ese momento, fui castigado por mi elección y me dijeron que no llegaría a nada. Creo que fue en el momento en que escuché un débil llamado interior. Eso fue hace más de 25 años. [2]

"Un retrato de Venus / A Portrait of Venus"
Óleo sobre lienzo en técnica mixta / oil on mixed media canvas, 12" x 12", 2015

"Æthelwulf" (encargo / commision), óleo sobre lienzo / oil on canvas

"La joven diosa Artemisa / The Young Godess Artemis (Brave)"
Óleo en técnica mixta sobre panel de yeso / oil mixed media on gesso board, 20" x 20", 2018

«Mis influencias iniciales fueron los pintores posimpresionistas Manet y Cézanne. Definitivamente me incliné más hacia los artistas dionisíacos por mi inspiración que apelaba a mis emociones e instintos, y lo mismo es cierto hoy en día. Me llevó a estudiar pintores alemanes expresionistas como Max Beckman y Otto Dix, y también el pintor austriaco Egon Schiele. Fue un salto bastante rápido y obvio para los Neo-expresionistas que fueron parte del movimiento de arte de los chicos de New Glasgow en la década de 1980. Mi pintor favorito de ese movimiento fue Peter Howson y mis primeras pinturas fueron básicamente estudios de sus técnicas, pero reemplazando los personajes con elementos de la clase trabajadora de la aldea galesa en la que crecí.
(...) He pasado los últimos años estudiando las obras de pensadores y escritores influyentes como Carl G. Jung, Ralph Waldo Emerson y Ernest Holmes, y he llegado a la conclusión de que debo confiar en mí mismo. La pura creatividad vendrá a través de mí si lo permito y me abro a su flujo. Descubrí que, dentro de mí, el pensamiento consciente y las ideas forzadas a menudo obstaculizan mi proceso creativo, y, por lo tanto las eliminé todo lo posible en el desarrollo de mis métodos, mientras trataba de mantener una mente clara, enfocada y natural.» [3]

"Inmersión / Immersion", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 72", 2016

"Océano / Ocean", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 72", 2017

"Construido para durar / Built to Last", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24", 2015

«La única cosa real que tomé de la universidad fue que me dio tiempo para enfocarme en desarrollar mi arte y estuve rodeado de personas de ideas afines, pero en términos de educación formal no aproveché lo que se ofrecía y me beneficié poco de las clases o las conferencia. Aprendí mucho más de mis compañeros que en la universidad y la biblioteca era limitada. Por supuesto, esto fue en una época anterior que Internet estuviera disponible y, para ser sincero, ahora uso youtube e Internet para aprender y perfeccionar constantemente mis técnicas. La universidad no me proporcionó una plataforma para hacer una carrera en el arte, tuve que trabajar en eso solo, y aprendí principalmente de los errores que cometía.» [4]

Richard trabajando en "El cisne del lago helado" / at work with "The Ice Lake Swan"

"El cisne del lago helado / The Ice Lake Swan"
Óleo y técnica mixta sobre lienzo / oil and mixed media on canvas, 19" x 23", 2014

"Nanuk, Desterrado para perecer / Banished to Perish"
Óleo sobre lino panel / oil on linen panel, 22" x 28", 2016

"Serenidad / Serenity", óleo sobre panel de yeso / oil on gesso board, 12" x 16", 2017

«Descubrí el surrealismo pop cuando me mudé a Los Ángeles, hace 15 años, y me pareció un vehículo maravilloso para mantener un carácter juvenil mientras permitía comentarios sociales y culturales. Me sorprendió la belleza infundida en muchas de las obras surrealistas de Mark Ryden y Joe Sorren. Definitivamente adopté elementos de su estilo para mis propias pinturas, pero en la actualidad me alejo de las etiquetas y las escenas, y trato de permitir que mis cuadros se pinten sin limitaciones ni temas.» [5]

"Blancanieves y el lazo de corset envenenado / Snow White and the Poisoned Stay-lace"
óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2016

"Calipso / Calypso", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2016

"Me lleva el espíritu del viento / Spirit of the Wind Carry Me"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 72", 2016

«Ser creativo es como un don. Lo veo como una expresión a pequeña escala y local de la gran creación divina. Nosotros los humanos, y de hecho toda la vida, es una expresión del universo, y cuando pinto participo en el proceso de tan maravillosa actuación. Trato de permitir que fluya a través de mí al igual que el agua encuentra su camino natural con facilidad y sin esfuerzo. Como artista, tengo una perspectiva excepcionalmente privilegiada, ya que no solo disfruto el acto de la creación sino también el gozo al observar que se desarrolla. Como un profeta sabio dijo una vez: "No hago el trabajo, es el padre que mora en mí quien lo está haciendo". Por lo tanto, al no tomar responsablemente la creación de las pinturas, tengo el beneficio adicional de experimentar la pieza final como si no fuera un logro mío. A menudo aprendo mucho más sobre mí mismo al ver la pintura terminada.» [6]

Reverenciando lo salvaje (Buey Almizclero) / In Reverence of the Wild (Muskox)
"Siempre he sido libre / I Was Always Free", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 46", 2016

"Feliz y libre / Happy and Free", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24", 2015

"Etérea / Ethereal", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 26 1/2" x 40", 2016

"Epifanía / Epiphany", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 25", 2015

Richard junto a su obra "Estallido estelar" / with his work "Starburst". Foto / Photo: Eric Minh Swenson

«Estoy abriéndome a la inocencia del árbol de mi interior e intentando ver con los ojos de la conciencia eterna que hay dentro de mí. Espero que esto se refleje subconscientemente en la conexión entre la juventud y la madurez en los personajes de mis pinturas, aunque, por supuesto, no estoy seguro. Siento muchos de mis cuadros como autorretratos, independientemente de su género. Retratos de mí mismo, no como un individuo, sino como un yo universal que tiene muchas experiencias humanas. Por supuesto también me atrae la belleza y la inocencia de la juventud, ya que noto que inevitablemente abandona mi cuerpo físico, y me pregunto si es por eso que mi obra está en armonía con los demás. Siento que todos somos atraídos de una u otra manera a nuestro primer encuentro con el poderoso sentimiento del amor, y reconocemos que nunca será tan nuevo o tan crudo como lo era cuando éramos jóvenes, por lo tanto, la belleza juvenil de los personajes de mi obra puede despertar este apego y anhelo, dentro de todos nosotros, a nuestra propia memoria de un corazón palpitando el amor de la vida.» [7]

"Estallido estelar / Starburst", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 72", 2017

"Ascensión / Ascension", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24", 2017

"Espero cada día tu regreso / Each Day I Wait for Your Return"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2016

«Por último, hay un miedo profundo expresado en mis pinturas. El miedo a ser impotente para proteger a mi propia joven familia. Muchas de mis pinturas son sobre supervivencia. Los personajes a veces están retratados en condiciones o situaciones difíciles. Mis intenciones no son glorificar o embellecer el horror de su condición, sino representar su lucha, siempre con una luz al final del túnel. Los títulos de algunas de mis primeras pinturas todavía son verdad en mi obra, con temas predominantes como Esperanza, Supervivencia y Continuidad. Las figuras y los personajes a menudo escapan a algún tipo de abuso, superando la tragedia y la soledad en su supervivencia, al igual que yo. Es una de las imágenes más trágicas ver que un niño tiene que valerse por sí mismo con un arma, especialmente cuando debería sentirse seguro y cuidado. Esta imagen es recurrente en mi obra debido a mi preocupación por mis propios hijos y también por todos los niños en un mundo que puede ser ignorantes y autodestructivos, pero también porque siento que todos estamos obligados a crecer demasiado pronto, y que la parte de retorno de mi viaje (en la segunda mitad de mi vida) es cómo desaprender todo este miedo y deseo de control y seguridad, y reconectarme con la fuente de la vida que siempre proporciona, nutre y da incondicionalmente.» [8]

"Sirenas / Sirens", 2013. Colección privada / Private Collection

"Equilibrio estático / Static Balance", 2012. Colección privada / Private Collection

"Rosa de los vientos / Rose of the Winds", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2016

«Es verdad que si los buscas (y no tienes que esforzarte demasiado con los medios de comunicación de hoy) encontrarás devastación, sufrimiento y toda la fealdad que la vida tiene para ofrecer. Sin embargo, como cuestión de salud emocional, me alejé de la proyección de la vida de los medios de comunicación y trato de atender al propio espacio de mi jardín interior. Me insume mucha disciplina no mirar solo las malezas y la descomposición de mi paisaje interno, y me esfuerzo en abstenerme de comparar mi jardín con otros jardines aparentemente más ricos, metafóricamente, por supuesto.» [9]

"Cuando habla el corazón / When the Heart Speaks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 46", 2016

"Enclavada / Nestled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 32", 2017
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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista en / Interview in Wow x Wow, 10/2016
* Entrevista en / Interview in Oh, So Surreal, 3/2015
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Los artistas mencionados, en "El Hurgador" / The mentioned artists, in this blog:

Édouard Manet:
[Diego Dayer (Pintura)], [Manos a la obra (XV)], [Aniversarios (LIV)], [Sucedió en el museo (V-Anexo)], [Asonancias (XII)]
Paul Cézanne: 
[Mark Tansey (Pintura)], [Manos a la obra (XIII)], [Aniversarios (LIV)], [Recolección (XXIII)], [Aniversarios (XCIX)]
Max Beckmann[Aniversarios (II)]
Otto Dix:
[Arte perdido (III)], [Alan Derwin (Pintura)], [Aniversarios Fotografía (XCIII)], [Recolección (XXXVIII)], [Arte perdido (VIII)], [Aniversarios (CLIII)], [Pintando perros (LIII)], [Aniversarios Fotografía (CXCIII)]
Peter Howson[Pintando perros (XXVII)], [Recolección (LXXXII)]
Mark Ryden[Aniversarios (LIV)]
Joe Sorren: Website
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Más sobre / More about Richard Oliver: Website, Blog, InstagramWikipedia (English)



Pintura fresca (en inglés) / Fresh Paint - Richard J. Oliver





Texto en inglés / English Translation

[1]
Richard James Oliver is an artist born in 1975 in Pontypridd, Wales, United Kingdom, who currently living and working in Los Angeles, CA.
He studied Fine Art at the University of the West of England and undertook his Masters at UWIC in Wales. In his time between studies, Oliver built his reputation, beginning in Wales and later gaining recognition throughout the UK. His work has been included in numerous European group shows, which then segued into solo shows, including an exhibition at the prestigious Museum of Modern Art in Wales.
Richard is the current keyboardist for the American alternative rock band No Devotion and former keyboardist, turntablist and vocalist for the Welsh rock band Lostprophets.

[2]
«My first memory of painting dates back to when I was about 4 or 5 years old. I recall drawing a cowboy listening to 'Adam and the Ants' while being at home from school with a sickness. (...)
The pinnacle moment in my life and career as an artist came in Foundation college in my late teens. I finally applied myself to academic schooling and leaned toward both the fine arts and design. When pressed to decide my University course and future it was assumed that I would follow design as I was one of the top students in that discipline. To the horror of my design tutor I followed my gut and chose fine art as my path. As usual, especially due to the mentality of Welsh working class society at the time, I was chastised for my choice and told I would amount to nothing. I guess it was the moment I heard the faint calling deep within, that was over 25 years ago.»

[3]
«My initial influences were the post impressionist painters Manet and Cezanne. I definitely leaned more towards the Dionysian artists for my inspiration which appealed to my emotions and instincts and the same is true today. It lead me to study the German Expressionist painters like Max Beckman and Otto Dix and also the Austrian Painter Egon Schiele. It was quite a quick and obvious jump to the Neo-expressionists that were part of the New Glasgow boys art movement in the 1980s. My favourite painter of that movement was Peter Howson and my early paintings were basically studies of his techniques but with replaced characters from the working class Welsh village I was raised in.
(...) I have spent the past few years studying the works of influential thinkers and writers such as Carl G. Jung, Ralph Waldo Emerson and Ernest Holmes and I have concluded that I must trust myself. Pure creativity will come through me if I allow it and open myself to its flow. I discovered that within me, conscious thought and forced ideas often impede my creative process and therefore I have done away with them as much as possible in the development of my methods, whilst trying to maintain a clear, focused and natural mind.»

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«The only real thing I took from university was that it afforded me the time to focus on developing my art and I was surrounded by like minded people, but in terms of formal education, I did not take advantage of what was offered and benefited little from teaching or lecturing. I learned so much more from my peers than at university and the library was limited. Of course this was at a time before the internet was available and to be honest I now use youtube and the internet to constantly learn and refine my techniques. University did not provide me with a platform to make a career out of art, I had to work that one out for myself and mainly only through making so many errors did I learn.»

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«I only discovered pop surrealism when I moved to Los Angeles 15 years ago and it struck me as a wonderful vehicle to maintain a youthful playfulness while allowing for much social and cultural commentary. I was struck by the beauty infused in many of the surreal works by Mark Ryden and Joe Sorren. I definitely adopted elements of its style for my own paintings but more these days I shy away from labels and scenes and try and allow my paintings to paint themselves without limitations or themes. »

[6]
«Being creative is such a gift. I see it as a small scale and local expression of the greater divine creation. We humans and in fact all life is an expression of the universe and when I paint I participate in the process of such wonderful performance. I try to allow it to flow through me just like water easily and effortlessly finds its natural course. As an artist I have such a uniquely privileged perspective for I not only take joy through the act of creation but joy in observing it's unfolding just as a wise prophet once said "I do not do the work, it is the father who dwells in me who is doing the work". Therefore not taking full responsibly for creating the paintings, I have the added benefit of experiencing the final piece as though I did not make it. I often learn so much more about myself from viewing the final painting.»

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«I am opening to the innocence of the sapling at my core and trying to see with the eyes of the ageless awareness within. I hope that this is somewhat subconsciously reflected in the connection between youth and maturity in the characters of my paintings, though of course I can’t be sure. Many of my paintings feel like self portraits, regardless of their gender. Portraits of myself, not as an individual, but as a universal self having many human experiences. Of course I am also drawn to the beauty and innocence of youth, as I notice it inevitably leaving my physical body, and I wonder if this is why my work resonates with others. I feel we are all drawn in one way or another to our first encounter with the powerful feeling of love and acknowledge it may never be as new or as raw as it was when we were young, therefore the youthful beauty of the characters of my work may spark this attachment and longing within all of us to our own memory of a heart fluttering love of life.»

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«Finally, there is a deep fear expressed in my paintings. A fear of being impotent to protect my own young family. Many of my paintings are about survival. The characters are indeed sometimes portrayed in difficult situations or conditions. My intentions are not to glamorise or beautify the horror of their condition, but to depict their struggle, always with a light at the end of the tunnel. The titles of some of my first paintings still ring true in my work with predominant themes being Hope, Survival and Continuity. The figures and characters are often escaping some sort of abuse, overcoming tragedy and loneliness in their survival, much like myself. It is one of the most tragic images to see a child having to fend for themselves with a weapon, especially when they should feel safe and cared for. This image reoccurs in my work because of my concern for my own children and also all children in a world which can be ignorant and self destructive, but also because I feel that we are all forced to grow up too soon, and that the return part of my journey (in the second half of my life) is how to unlearn all this fear and desire for control and security, and reconnect with the source of life which always provides, nurtures and is unconditionally giving.»

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«It is true that if you look for it (and you don’t have to look hard with today’s news media) you will find devastation, suffering and all the ugliness that life has to offer. I have however, as a matter of emotional health, turned away from the news media’s projection of life and am trying to tend to my own internal garden space. It takes so much discipline for me not to look at only the weeds and the decay of my internal landscape, and I put much effort into abstaining from comparing my garden to others seemingly more affluent gardens, metaphorically of course.»

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